Byul's Web-log

C4D 단축키와 기본 조작법: 입문자가 먼저 알아야 할 모델링 흐름

보별 — Mon, 1 Jun 2026 18:29:24 +0900

Cinema 4D를 처음 배우면 가장 먼저 막히는 부분은 "어떤 버튼을 눌러야 하는지"보다 "지금 내가 어떤 상태의 오브젝트를 만지고 있는지"다.

이번 글에서는 Cinema 4D의 기본 조작법을 익힌 뒤, 큐브와 구 같은 원시도형을 이용해 간단한 동물 모델을 만들어보았다.

실제로 따라 하다 보면 단축키 자체보다 "지금 선을 고르는지, 면을 고르는지"를 계속 확인하는 습관이 훨씬 중요하다는 걸 느끼게 된다.

C4D: 3D 콘텐츠 제작을 위한 DCC 툴

C4D는 Cinema 4D의 줄임말로, 3D 모델링과 애니메이션, 렌더링 등에 사용되는 DCC 툴이다.
DCC는 Digital Content Creation의 줄임말로, 디지털 콘텐츠 제작 도구를 의미한다.

Blender, Maya, 3ds Max, Houdini, ZBrush, Substance Painter 같은 프로그램도 넓은 의미에서는 DCC 툴에 포함된다.

이번 포스트에서는 C4D를 주로 모델링과 에셋 제작 관점에서 다뤘다.
이후 만든 모델을 언리얼 엔진으로 가져가 레벨을 구성하거나, 카메라와 조명을 배치해 키비주얼을 만드는 식으로 활용할 수 있다.

C4D 기본 조작

C4D를 처음 사용할 때는 모델링 자체보다 기본 조작법과 좌표 개념에 익숙해지는 것이 먼저 필요하다.

특히 실습에서는 모델링을 가능한 한 0, 0, 0 좌표를 기준으로 시작하는 것이 좋다.
오브젝트의 기준 위치가 명확해야 이후에 크기 조절, 회전, 복제, 언리얼 엔진으로 가져가는 과정에서도 관리가 쉬워진다.
실제 작업을 해보면 처음 좌표를 정리해 두는 것만으로도 나중에 오브젝트 위치가 꼬이는 일을 많이 줄일 수 있다.

화면 조작은 기본적으로 Alt 키와 마우스 조합을 사용한다.
Alt + 좌클릭은 화면을 회전할 때 사용하고, Alt + 휠클릭은 화면을 이동할 때 사용한다.
화면을 확대하거나 축소할 때는 Alt + 우클릭을 사용하거나, 마우스 휠을 드래그해서 조절할 수 있다.
이 조작법에 익숙해지면 화면을 돌려가며 형태를 확인하는 과정이 훨씬 덜 답답해진다.

오브젝트를 직접 다룰 때는 단축키를 함께 익혀두면 작업 속도가 빨라진다.
E는 이동, R은 회전, T는 크기 조절에 사용된다.

이동이나 크기 조절 상태에서 축을 드래그하면 해당 축 방향으로만 오브젝트를 움직이거나 늘릴 수 있고, 크기 조절의 경우 빈 공간을 드래그하면 전체 크기를 조절할 수 있다.
또한 Ctrl을 누른 상태에서 이동 축을 드래그하면 해당 방향으로 오브젝트를 복제할 수 있어 반복되는 구조물을 만들 때 유용하다.

작업 중에는 현재 축이 어떤 기준으로 설정되어 있는지도 확인해야 한다.

W 키를 누르면 월드 기준 축으로 변경할 수 있으며, 상단의 버튼이 활성화되어 있는지 확인하면 현재 기준 축 상태를 파악할 수 있다.

초반에는 단순히 단축키를 외우는 것보다, 오브젝트가 어떤 기준축을 따라 이동하고 회전하는지 직접 확인하면서 익히는 것이 더 중요하다.

다시 한번 기본 뷰포트 조작 단축키를 정리해 보면 아래와 같다.

Alt + 좌클릭: 화면 회전
Alt + 휠클릭: 화면 이동
Alt + 우클릭 또는 휠 드래그: 화면 확대·축소
E: 이동
R: 회전
T: 크기 조절
Ctrl + 이동 축 드래그: 축 방향 복제
W: 월드 기준 축 전환

C4D의 뷰포트 이동은 버전이나 개인 설정에 따라 일부 차이가 날 수 있다.
다만 일반적으로 Alt와 마우스 버튼을 조합해 회전, 이동, 확대·축소를 제어하는 방식이 많이 쓰인다.

그리고 작업 중 화면을 이리저리 움직이다가 오브젝트를 놓쳤다면 Frame Default를 사용해 다시 오브젝트 중심으로 시점을 맞출 수 있다.

원시도형과 편집 가능한 오브젝트

C4D에서 큐브, 구, 원기둥 같은 기본 도형은 처음에는 원시도형 상태다.

위 사진과 같이 도형에 노란점이 있다면 원시도형 상태

원시도형은 크기, 반지름, 세그먼트 같은 속성을 수치로 조절하기 좋지만, 점·선·면을 직접 선택해서 모양을 바꾸는 편집에는 제한이 있다.
이 원시도형을 직접 편집하려면 Make Editable로 변환해야 한다.

C4D에서는 보통 C 키를 눌러 원시도형을 편집 가능한 상태로 바꿀 수 있다.
이후에는 점, 선, 면을 각각 선택해 형태를 직접 수정할 수 있다.

면이 선택돼있어서 선택한 면만 편집할 수 있는 상태가 됨

다만 C를 눌러 편집 가능한 상태로 바꾸면 원시도형 상태에서 조절하던 세그먼트나 크기 속성을 이전처럼 다루기 어려워진다.
그래서 가능하면 변환 전에 기본 크기와 세그먼트를 먼저 정리해 두는 것이 좋다.

닭 모델링

닭 몸통 만들기: 면 선택과 Ctrl 드래그

닭의 몸통을 만들기 위해 먼저 큐브를 생성한 뒤, 필요한 크기를 조정하고 C를 눌러 편집 가능한 상태로 바꿔준다.

그다음 면 선택 모드로 들어가 위쪽 면만 선택해 준다.
위쪽으로만 형태를 늘리고 싶다면 전체 오브젝트를 스케일 하는 것이 아니라, 위쪽 면만 선택한 상태에서 해당 축을 Ctrl을 누른 채 드래그하면 된다.

이 방식으로 위쪽 부피를 만들고, 닭의 엉덩이 부분도 비슷하게 특정 면을 선택해서 확장해 주면 된다.

이 과정에서 중요한 점은 “오브젝트 전체를 움직이는 것”과 “선택한 면만 변형하는 것”을 구분하는 것이다.

Gouraud Shading과 모델 확인

모델링할 때 Gouraud Shading 설정을 해두면 편하다.

Gouraud Shading은 표면을 부드럽게 확인할 때 사용하고, Gouraud Shading Lines는 표면과 선 구조를 함께 볼 때 유용하다.

좌측: Gouraud Shading 모드 / 우측: Gouraud Shading Lines 모드

단축키는 아래와 같다.

N ~ A: Gouraud Shading
N ~ B: Gouraud Shading Lines

모델링 중에는 선의 흐름을 확인해야 하는 경우가 많기 때문에 Gouraud Shading Lines 모드를 자주 활용하게 된다.

Loop/Path Cut으로 구조선 추가

닭 몸통의 형태를 더 세밀하게 조정하기 위해 K ~ L(K를 누른 뒤 L) 단축키로 Loop/Path Cut을 사용했다.
Loop/Path Cut은 모델의 흐름을 따라 선을 추가하는 도구다.

Loop/Path Cut을 하면 좌측 사진과 같이 모델의 모양을 따라 선 추가 가능

선 3개가 세로로 있는 버튼을 누르면 정중앙에 선 추가

루프컷을 넣은 뒤에는 U ~ L로 Loop Selection을 사용해 방금 만든 선을 선택할 수 있다.

선 편집 모드인 걸 확인 후, 선택할 루프컷이 포함된 객체를 선택하면 루프컷 선택 가능

선 편집 모드에서 루프컷 한 선을 선택하고, Shift를 누른 채 여러 선을 함께 선택한 뒤 Scale로 조정하면 양옆으로 벌어지는 형태를 만들 수 있다.

루프컷은 단순히 선을 많이 넣는 작업이 아니다.
형태를 접거나, 부피를 나누거나, 특정 부위만 따로 조정하기 위해 필요한 구조를 만드는 과정이다.

실제로 모델이 조금만 복잡해져도 선 하나를 어디에 넣느냐에 따라 형태 수정이 쉬워지거나 오히려 더 어려워질 수 있기에 주의해야 한다.

Knife / Line Cut & Visible Only

K ~ K로 Knife 또는 Line Cut 계열 도구를 사용하면 원하는 방향으로 면을 자를 수 있다.

Line Cut에는 Visible Only, Slice Mode, Single Line, Infinite Cut, Restrict to Selection, Connect Cut Edges 같은 옵션이 있다.
여기서 특히 중요한 옵션이 Visible Only다.

Visible Only가 켜져 있으면 현재 화면에서 보이는 요소 위주로 선택되거나 잘린다.
반대로 Visible Only를 끄면 눈에 보이지 않는 뒤쪽 면까지 함께 선택되거나 잘릴 수 있다.

예를 들어 앞 시점이나 옆 시점에서 모델을 관통하듯이 자르고 싶다면 Visible Only를 해제해야 할 수 있다.
반대로 앞에 보이는 면만 선택하고 싶다면 Visible Only를 켜는 것이 안전하다.

이 옵션은 처음 배울 때는 사소해 보이지만, 선택이나 컷이 의도와 다르게 들어갈 때 가장 먼저 확인해야 하는 항목 중 하나다.
이후 토끼 모델링의 발 부분을 만들 때도 이 Visible Only 옵션을 실제로 활용했다.

Brush Selection & Rectangle Selection

C4D에서는 선택 방식에 따라 작업 속도가 크게 달라진다.

Brush Selection은 드래그하면서 원하는 부분을 칠하듯이 선택하는 방식이다.
작은 면이나 불규칙한 부분을 고를 때 편하다.

Rectangle Selection은 사각형 영역으로 한 번에 선택하는 방식이다.
특정 구역을 넓게 선택한 뒤 크기나 위치를 조정할 때 유용하다.

Rectangle Selection을 사용할 때도 Visible Only 옵션을 확인해야 한다.
Rectangle Selection에서는 Visible Only가 기본적으로 체크되어 있지 않은 상태기 때문에, 보이지 않는 뒷면까지 함께 선택될 수 있다.

아래와 같이 Rectangle Selection으로 같은 구역을 선택해도, Visible Only 옵션을 켜고 끄는지에 따라 선택되는 면의 개수가 달라진다.
Visible Only가 켜져 있으면 보이는 면 위주로 선택되고, 해제하면 보이지 않는 뒤쪽 면까지 함께 선택될 수 있다.

좌측: Visible Only 옵션 O; 선택된 면 3개 / 우측: Visible Only 옵션 X; 선택된 면 6개

4분할 뷰포트로 형태 확인

휠버튼을 클릭하면 Perspective, Top, Right, Front 같은 여러 시점을 한 번에 볼 수 있다.
모델링을 Perspective 화면에서만 하면 앞에서는 맞아 보이는데, 위나 옆에서 보면 위치가 틀어져 있는 경우가 있을 수도 있다.

그래서 방향이 중요한 요소는 4분할 뷰포트에서 함께 확인하는 것이 좋다.

한 화면에서는 괜찮아 보여도 다른 시점에서 바로 어긋남이 보이는 순간이 있어서, 4분할 뷰는 입문자에게 특히 도움이 된다.

Isolation 모드

모델이 여러 개로 늘어나면 원하는 오브젝트만 보기 어려워진다.
이럴 때는 Isolation 모드, 즉 선택한 오브젝트만 따로 보는 기능을 사용하면 작업이 훨씬 편해진다.

상단 메뉴 중앙에 눈 모양 아이콘을 눌러주면 됨

그리고 아래와 같이 Segment 수치 조절로 도형을 균일하게 분할할 수도 있다.

Symmetry로 반전 복사하기

닭의 발, 눈, 날개처럼 좌우가 반복되는 형태는 Symmetry를 사용하면 효율적이다.

Symmetry를 만든 뒤, 반전 복사하고 싶은 오브젝트를 Symmetry 안에 넣으면 반대쪽에 자동으로 복사된다.

복사된 위치가 이상하다면 Symmetry의 대칭 방향을 확인하면 된다.

중요한 점은 Symmetry로 생성된 반대쪽 오브젝트는 기본적으로 직접 수정하는 대상이 아니라는 것이다.
크기나 위치를 바꾸고 싶다면 원본 쪽을 수정해야 한다.

필요하다면 C를 눌러 Symmetry도 편집 가능한 실제 오브젝트로 변환할 수 있다.

그 뒤 Shift + G로 Symmetry 안에 있던 오브젝트를 밖으로 꺼내고, Alt + G로 다시 하나의 그룹으로 묶을 수 있습니다.

Symmetry는 한 번 익혀두면 캐릭터 모델링에서 반복 작업을 크게 줄여주는 기능이라, 한 번 익혀두면 좌우 반복 작업을 할 때 시간을 꽤 많이 줄일 수 있다.

새로운 모델을 만들 때는 기존 모델을 옆으로 옮기기

닭 모델을 만든 뒤, 같이 배치할 병아리 모델링을 시작하려면, 기존 모델을 구석으로 옮기고 새 모델을 다시 0,0,0 근처에서 제작하는 것이 좋다.

중심 좌표 근처에서 새 모델을 만들면 크기, 방향, 대칭 작업을 관리하기 쉽기 때문이다.

다만 실무에서는 장면 구성이나 애니메이션 기준에 따라 일부러 원점이 아닌 위치에서 작업할 수도 있다.
따라서 "무조건 원점에서만 모델링해야 한다"기보다는, "입문 단계에서는 원점을 기준으로 작업하는 것이 실수를 줄이는 데 좋다"라고 이해하면 된다.

최종 모델링

토끼 모델링

토끼 발 위치 만들기: Line Cut 활용

토끼 몸통은 길게 늘인 큐브를 바탕으로 만들었다.
몸통을 만든 뒤에는 발이 나올 위치를 먼저 나눠줘야 했는데, 이때 K ~ K로 사용할 수 있는 Knife 또는 Line Cut 계열 도구를 활용했다.

발 위치는 정면이나 측면처럼 자르기 쉬운 시점에서 작업하는 편이 좋다.
Perspective 화면에서만 작업하면 선이 비스듬하게 들어갈 수 있기 때문에, 다리처럼 좌우 위치가 맞아야 하는 부분은 시점을 바꿔가며 확인하는 것이 안정적이다.

그다음 Visible Only를 해제한 상태에서 몸통 아래쪽을 일직선으로 잘라줬다.
이렇게 하면 앞쪽 면뿐 아니라 뒤쪽 면까지 함께 잘리기 때문에, 다리 4곳에 모두 발을 뽑아낼 수 있는 구조가 생긴다.

이전 닭 모델링 파트에서 설명한 Visible Only 옵션이 여기서 실제로 사용된 셈이다.
앞면만 자르고 싶을 때는 Visible Only를 켜는 것이 안전하지만, 이번처럼 앞뒤를 한 번에 관통해서 자르고 싶을 때는 해제하는 편이 적합하다.

선을 넣은 뒤에는 발로 사용할 아래쪽 면을 선택하고, 이동이나 스케일 조절을 통해 발 형태를 잡아줬다.
이 방식은 별도의 큐브를 하나씩 붙이는 것보다 몸통과 발의 위치를 맞추기 쉽고, 나중에 수정할 때도 구조를 파악하기 편하다.

실제로 작업해 보면 발을 따로 붙이는 것보다, 먼저 몸통에 컷을 넣고 필요한 면을 뽑아내는 방식이 위치를 맞추기 훨씬 편하다.

토끼 몸통 길이 수정

토끼 몸통이 너무 길다고 느껴져, 앞다리 부분을 잡고 줄여주는 과정을 거쳤다.

보이지 않는 뒷부분까지 함께 선택해야 했기 때문에, Rectangle Selection에서 Visible Only가 해제되어 있는지 확인한 뒤 수정할 부위를 선택했다.
그 상태에서 앞다리 쪽을 줄여주면 몸통 길이를 자연스럽게 조정할 수 있다.

토끼 귀 만들기

토끼 귀는 위쪽 면과 아래쪽 면을 선택한 뒤 Scale을 조절해 길고 납작한 형태로 만들었다.

이때 전체 오브젝트를 한 번에 늘리는 것보다, 필요한 면을 선택해서 조정하면 더 원하는 형태를 만들기 쉽다.
귀처럼 길쭉한 파츠는 한쪽 방향으로만 스케일이 강하게 들어가기 때문에, 축 방향을 잘 보고 조정해야 한다.

토끼 눈 만들기와 세그먼트 최적화

토끼 눈은 Sphere 같은 둥근 도형으로 만들 수 있다.
다만 눈처럼 작은 오브젝트에 세그먼트를 너무 많이 넣으면 모델이 불필요하게 무거워질 수 있다.

그래서 Sphere의 Segments 값을 낮게 조정했다.
완전히 매끈한 구가 아니더라도, 화면에서 원이나 구처럼 보이는 정도면 입문 모델링에서는 충분하다.

Segments 수치는 보통 4의 배수로 많이 사용한다.
이것은 절대 규칙이라기보다, 원형 실루엣과 대칭을 다루기 편한 값으로 8, 12, 16 같은 수를 자주 쓴다.

작은 눈 하나라도 세그먼트를 낮춰보면, "보기에 충분한 품질"과 "불필요하게 무거운 모델"의 차이를 조금씩 감각적으로 익히게 된다.

최종 모델링

실습 예시

위에서 배운 내용을 바탕으로 아래와 같이 오리와 꽃도 만들어볼 수 있다.

이번 C4D 입문 수업은 단순히 닭과 토끼를 만드는 실습이 아니라, 3D 모델링의 기본 사고방식을 익히는 과정이었다.

핵심은 원시도형을 만들고, 편집 가능한 상태로 바꾸고, 점·선·면을 선택해 형태를 수정하고, 필요한 곳에 선을 추가하고, 반복되는 부분은 Symmetry로 처리하는 것이다.

처음에는 단축키가 많아 보여도 실제 흐름은 비교적 단순하다.
오브젝트 상태를 확인하고, 선택 범위를 확인하고, 시점을 바꿔가며 형태를 보는 습관을 들이면 C4D 모델링이 훨씬 안정적으로 느껴질 것이다.

C4D와 언리얼을 활용한 3D 영상 제작 워크플로우 정리

보별 — Sat, 30 May 2026 12:12:15 +0900

Cinema 4D나 Unreal Engine을 배우기 시작하면 곧바로 모델링이나 렌더링부터 하고 싶어진다.
하지만 실제 영상 제작에서는 툴을 켜기 전에 먼저 정리해야 할 것이 있다.
바로 기획, 자료 수집, 프리비즈, 에셋 제작 목록이다.

C4D와 언리얼을 활용한 3D 영상 제작을 기준으로, 프로젝트를 어떤 순서로 진행하면 좋은지 정리해 보았다.

3D 영상 제작의 전체 흐름

3D 영상 제작은 크게 사전 제작, 제작, 후반 작업 세 단계로 나눌 수 있다.

첫 번째는 Pre-Production, 즉 사전 제작 단계다.
이 단계에서는 아이디어를 정리하고, 자료를 수집하고, 스토리보드와 무드보드를 만든다.
본격적인 모델링 전에 영상의 방향을 잡는 과정이다.

두 번째는 Production, 즉 제작 단계다.
이 단계에서는 C4D로 필요한 에셋을 만들고, 언리얼 엔진에서 레벨을 구성한다.
카메라 구도, 조명, 오브젝트 배치, 키비주얼도 이 단계에서 구체화된다.

세 번째는 PostProduction, 즉 후반 작업 단계다.
After Effects를 활용해 색감 보정, 컴포지팅, 효과 추가, 사운드 싱크 확인, 최종 출력 작업을 진행한다.

정리하면 다음과 같다.

PreProduction: 아이디어 기획, 자료 수집, 무드보드, 스토리보드, 프리비즈
Production: C4D 모델링, 에셋 제작, 언리얼 씬 구성, 카메라·조명 세팅, 키비주얼 제작
PostProduction: After Effects 후보정, 사운드, 컬러 그레이딩, 최종 렌더링

아이디어 기획: 추상어를 이미지로 바꾸는 과정

아이디어 기획 단계에서는 떠오르는 이미지와 단어를 최대한 많이 적어보는 것이 좋다.
단, 너무 추상적인 단어만 적으면 실제 장면으로 옮기기 어렵다.

예를 들어 “사랑”, “부”, “외로움”, “희망” 같은 단어는 그대로 모델링하기 어렵다.
그래서 이런 단어는 구체적인 시각 요소로 바꿔야 다.

예를 들어 사랑은 하트 모양, 편지, 손을 잡는 장면으로 바꿀 수 있고, 부는 금화, 보석, 고급스러운 질감, 빛나는 오브젝트로 바꿀 수 있다.
그리고 외로움은 넓은 빈 공간, 작은 인물, 차가운 색감, 긴 그림자로 표현할 수 있다.

좋은 기획은 멋진 단어를 많이 쓰는 것이 아니라, 그 단어를 실제 화면에 보이는 형태로 바꾸는 데서 시작된다.

스토리보드: 장면을 구체화하는 설계도

아이디어가 어느 정도 정리되면 스토리보드를 작성하게 된다.
스토리보드는 영상의 장면 구성을 미리 그려보는 설계도다.

스토리보드를 만들 때는 그림 실력이 중요하지 않다.
중요한 것은 다음 질문에 답하는 것이다.

이 장면에서 무엇을 보여줄 것인가?
카메라는 어디에 있는가?
오브젝트는 어떻게 움직이는가?
장면 전환은 빠른가, 느린가?
사운드는 어느 타이밍에 들어가는가?

스토리보드가 있으면 모델링해야 할 오브젝트 목록도 자연스럽게 보인다.
반대로 스토리보드 없이 바로 모델링을 시작하면, 나중에 필요 없는 에셋을 만들거나 중요한 장면을 놓칠 가능성이 높아질 수도 있기에 주의해야 한다.

자료 수집: 분위기와 형태를 동시에 잡는 과정

자료 수집 단계에서는 색감, 음악, 효과음, 레퍼런스 모델, 카메라 구도, 조명 분위기 등을 모은다.

이때 단순히 예쁜 이미지를 많이 모으는 것보다, 목적을 나눠서 모으는 것이 좋다.

색감 레퍼런스
조명 레퍼런스
모델링 형태 레퍼런스
질감 레퍼런스
카메라 구도 레퍼런스
사운드 레퍼런스

특히 모델링용 레퍼런스는 여러 각도의 사진이 있으면 좋다.
정면만 있는 이미지는 형태를 파악하기 어렵기 때문에, 측면이나 뒷면까지 참고할 수 있는 자료가 있으면 제작이 훨씬 수월해진.

레퍼런스를 많이 모으는 것도 좋지만, 왜 이 이미지를 참고하면 좋은지 설명할 수 있어야 한다.

프리비즈: 본격 제작 전 흐름을 검토하는 과정

프리비즈는 Previsualization의 줄임말로, 본격 제작 전에 영상을 간단히 시각화해 보는 과정이다.
완성도 높은 결과물을 만드는 단계가 아니라, 장면 흐름과 타이밍을 확인하는 단계라고 볼 수 있다.

예를 들어 간단한 박스 모델만 배치해도 카메라 움직임을 확인할 수 있고, 임시 사운드를 넣어보면 장면 전환이 음악과 잘 맞는지도 확인할 수 있다.

프리비즈 단계에서는 동작의 흐름을 연결해 보고, 사운드 싱크를 맞춰보는 것이 중요하다.

실제로 프리비즈를 해보면 머릿속에서는 괜찮아 보였던 장면이 실제 시간 안에서는 너무 길거나 짧게 느껴지는 경우가 많다.

모델링 전 에셋 목록과 우선순위를 정하기

모델링 단계에 들어가기 전에 필요한 에셋 목록을 먼저 작성해야 한다.
여기서 중요한 것은 모든 오브젝트를 같은 중요도로 보지 않는 것이다.

에셋은 다음처럼 나눠볼 수 있다.

메인 에셋: 영상의 핵심이 되는 오브젝트
서브 에셋: 분위기나 공간감을 보완하는 오브젝트
배경 에셋: 장면을 채우지만 자세히 보이지 않는 오브젝트
반복 에셋: 여러 장면에서 재사용되는 오브젝트

가장 먼저 만들어야 할 것은 메인 에셋이다.
카메라에 크게 잡히는 물체, 브랜드나 주제를 설명하는 물체, 움직임이 들어가는 물체부터 제작해야 한다.

작업 시간이 부족한 프로젝트에서는 "무엇을 만들까"보다 "무엇을 먼저 만들까"가 더 중요해진다.

C4D에서 언리얼로 넘길 때, 머티리얼 구조 신경 쓰기

C4D에서 모델링을 끝냈다고 해서 바로 언리얼에서 예쁘게 보이는 것은 아니다.
언리얼로 넘길 때는 모델의 구조와 머티리얼 정보가 정리되어 있어야 한다.

특히 다음 항목을 확인하는 것이 좋다.

UV가 제대로 펴져 있는가?
머티리얼 슬롯이 구분되어 있는가?
텍스처 파일이 누락되지 않았는가?
스케일이 이상하지 않은가?
피벗 위치가 적절한가?
노멀 방향이 뒤집히지 않았는가?
오브젝트 이름과 머티리얼 이름이 알아보기 쉬운가?

언리얼에서는 3D 프로그램에서 설정한 기본 머티리얼과 텍스처를 가져올 수 있지만, 모든 복잡한 셰이더 설정이 그대로 넘어오는 것은 아니다.
따라서 언리얼에서 다시 머티리얼을 정리할 가능성을 염두에 두고 작업하는 편이 안전하다.

언리얼 씬 구성 & 키비주얼: 장면 완성 단계

언리얼에서는 C4D에서 만든 에셋을 배치하고, 조명과 카메라를 설정해 장면을 구성할 수 있다.
이 단계가 레벨링과 키비주얼 제작에 해당한다.

키비주얼은 영상의 분위기와 방향성을 가장 압축적으로 보여주는 대표 장면이다.
전체 영상이 아직 완성되지 않았더라도, 키비주얼이 잘 나오면 프로젝트의 방향성을 빠르게 검토할 수 있다.

언리얼에서 씬을 구성하고 스타일 프레임을 잡을 때는, 각 장면이 하나의 이미지로 봐도 어색하지 않게 정리하는 것이 중요하다.

키비주얼은 단순히 예쁜 장면이 아니라, 앞으로 만들 영상의 기준점 역할을 하게 된다.

색감 & 사운드 & 최종 출력이 완성도를 결정

마지막 단계는 After Effects를 활용한 후보정이다.
이 단계에서는 렌더링 된 영상을 가져와 색감을 보정하고, 필요한 효과를 추가하고, 사운드와 효과음을 맞춘다.

3D 장면이 어느 정도 완성되어도 후반 작업이 부족하면 영상이 밋밋해 보일 수 있다.
반대로 적절한 색 보정과 사운드가 들어가면 장면의 분위기가 훨씬 선명해진다.

후반 작업에서 확인할 것은 다음과 같다.

색감이 영상의 주제와 맞는가?
장면 전환이 음악과 어울리는가?
효과음이 과하지 않은가?
밝기와 대비가 장면마다 너무 튀지 않는가?
최종 출력 해상도와 포맷이 목적에 맞는가?

3D 영상 제작은 모델링만 잘한다고 끝나는 작업이 아니다.
기획, 레퍼런스, 프리비즈, 모델링, 레벨링, 후보정이 하나의 흐름으로 연결될 때 결과물이 안정적으로 완성된다.

After Effects 기초 정리: 키프레임으로 움직임을 만드는 방법

보별 — Fri, 29 May 2026 17:42:24 +0900

After Effects를 처음 열면 화면이 복잡하게 느껴진다.
타임라인, 레이어, 컴포지션, 효과, 키프레임 같은 용어나 기능을 알 수 없는 버튼들이 여러 개 나오기 때문이다.

하지만 처음부터 모든 기능을 외울 필요는 없고, 실제 작업 흐름은 생각보다 단순하다.
영상을 담을 컴포지션을 만들고, 타임라인에 소스를 배치한 뒤, 필요한 구간을 자르고, 키프레임으로 움직임을 만들고, 마지막으로 렌더링을 하면 된다.

이번 글에서는 After Effects 입문 단계에서 꼭 알아야 할 기본 개념을 정리해 보았다.

컴포지션: After Effects 작업의 기본 단위

After Effects에서 영상을 만들려면 먼저 컴포지션을 만들어야 한다.
컴포지션은 영상의 해상도, 프레임레이트, 길이, 배경색 등을 정하는 작업 공간이다.

쉽게 말하면, 포토샵에서 새 캔버스를 만드는 것과 비슷하다.
다만 After Effects의 컴포지션은 정지 이미지가 아닌 시간이 있는 캔버스라고 생각하면 쉽다.

컴포지션을 만드는 방법은 크게 두 가지가 있다.

첫 번째는 직접 해상도와 프레임을 지정해서 만드는 방법이다.

아래와 같이 New Composition 버튼을 눌러 해상도, 프레임, 영상 길이의 컴포지션을 직접 설정할 수 있다.

두 번째는 원본 영상을 컴포지션 작업창에 드래그해서 만드는 방법이다.

아래와 같이 영상을 작업창에 드래그하면 된다.

이렇게 하면 원본 영상의 해상도와 프레임 설정에 맞춰 컴포지션이 자동으로 만들어진다.

처음 작업할 때는 이 방식이 실수를 줄이기 좋다.

직접 설정하는 것보다 원본 영상 기준으로 컴포지션을 만드는 편이 훨씬 안정적으로 느껴지지만, 가능하면 직접 지정해서 만드는 방법으로 생성하는 걸 더 추천한다.
촬영한 영상이나 소스로 사용되는 영상이 제작하는 프로젝트에서 요구하는 해상도 및 프레임 설정과 같지 않을 수 있기 때문이다.

타임코드

After Effects에서는 시간을 0:00:00:00 형태로 표시한다.
이 구조는 시간:분:초:프레임으로 이해하면 된다.

영상 작업에서 중요한 점은 “1초”만 보는 것이 아니라, 그 안에 들어 있는 프레임 단위까지 조절한다는 것이다.
30 fps 영상이라면 1초 안에 30장의 프레임이 들어간다고 보면 된다.

그래서 After Effects에서는 자막이 살짝 늦게 나오거나, 컷 전환이 어색하거나, 움직임이 미묘하게 느린 문제를 프레임 단위로 조절할 수 있다.

영상 편집이 익숙하지 않을 때는 초 단위로만 생각하게 되지만, 작업을 하다 보면 결국 프레임 단위 감각이 중요해진다.

인디케이터: 현재 작업 위치 표시

타임라인 위의 파란색 세로 막대는 현재 작업 위치를 보여주는 인디케이터다.
정확히는 Current Time Indicator, 줄여서 CTI라고 부다.

인디케이터를 원하는 위치로 옮긴 뒤, 레이어를 자르거나, 키프레임을 찍거나, 작업 영역을 설정할 수 있다.

인디케이터와 관련된 자주 쓰는 단축키는 다음과 같다.

[ : 선택한 레이어의 시작점을 현재 인디케이터 위치로 이동
] : 선택한 레이어의 끝점을 현재 인디케이터 위치로 이동
Alt + [ : 현재 인디케이터 기준으로 레이어 앞부분 자르기
Alt + ] : 현재 인디케이터 기준으로 레이어 뒷부분 자르기

이 단축키는 짧은 영상을 만들 때 정말 자주 쓰인다.
마우스로 레이어 끝을 잡고 조절하는 것보다 훨씬 빠르고 정확하다.

작업 영역 지정 단축키: B & N

After Effects에서 B와 N 단축키는 작업 영역을 설정할 때 사용하는 단축키다.

B: 현재 인디케이터 위치를 작업 영역 시작점으로 설정
N: 현재 인디케이터 위치를 작업 영역 끝점으로 설정

이 기능은 전체 컴포지션 중 특정 구간만 미리 보거나 렌더링 할 때 유용하다.
예를 들어 30초짜리 컴포지션에서 5초부터 12초까지만 확인하고 싶다면, 5초 위치에서 B를 누르고 12초 위치에서 N을 누르면 된다.

단, 이것은 영상을 삭제하는 기능이 아니다.
타임라인의 일부를 지우는 것이 아니라, 작업하거나 출력할 구간을 지정하는 기능이므로 헷갈리지 않도록 주의해야 한다.

Time Stretch: 속도와 역재생 조절

Time Stretch는 레이어의 재생 속도를 조절하는 기능이다.
Time Stretch의 Stretch Factor 값을 조절하면 영상이 느려지거나 빨라진다.

예를 들어 100%는 원래 속도, 50%는 더 빠른 재생, 200%는 더 느린 재생이라고 이해할 수 있다.
즉, 50%라는 수치는 레이어의 길이를 절반으로 줄이는 것이기에 재생시간이 절반으로 줄어들어 재생속도가 2배가 되는 것이다.
이렇게 Stretch Factor는 재생속도가 아닌 레이어 길이를 수정한다고 생각하면 헷갈리지 않을 것이다.

역재생이 필요하다면 Stretch Factor의 음수 값을 활용하는 방법도 있지만, 초보 단계에서는 Layer > Time > Time-Reverse Layer 기능을 함께 알아두는 편이 좋다.

영상의 속도 조절은 단순히 "빠르게/느리게"의 문제가 아니라 영상 리듬을 만드는 과정이다.
같은 장면도 속도만 바뀌어도 분위기가 꽤 달라질 수 있다.

키프레임: 움직임을 만드는 가장 기본적인 방식

After Effects에서 애니메이션을 만들려면 키프레임을 이해해야 한다.
키프레임은 특정 시간에 특정 값을 기록하는 기능이다.

예를 들어 0초에서 오브젝트의 위치가 왼쪽에 있고, 2초에서 오른쪽에 있도록 키프레임을 찍으면 After Effects가 그 사이 움직임을 자동으로 만들어준다.

즉, 사용자가 모든 프레임을 직접 그리는 것이 아니라, 시작값과 끝값을 정해두면 프로그램이 중간 변화를 계산해 주는 방식이다.

키프레임으로 조절할 수 있는 대표적인 속성은 다음과 같다.

Position: 위치
Scale: 크기
Rotation: 회전
Opacity: 불투명도

처음에는 Position과 Scale만 익혀도 간단한 움직임을 만들 수 있다.
실제로 짧은 타이틀 애니메이션이나 화면 전환 효과는 이 기본 속성만으로도 꽤 많이 만들 수 있다.

키프레임을 찍는 기본 흐름

키프레임을 찍는 기본 흐름은 간단하다.

좌측의 스톱워치 아이콘을 누른 후, 수치를 변경하면 우측의 네모와 같이 키프레임(마름모)이 찍힘

레이어 선택
바꾸고 싶은 속성 열기
타임라인 인디케이터를 시작 지점에 두기
스톱워치 아이콘을 눌러 첫 키프레임 생성
인디케이터를 다른 시간으로 이동
속성 값을 바꿔서 새로운 키프레임을 생성

예를 들어 Opacity를 조정해 페이드 인을 만든다면 다음처럼 작업하면 된다.

레이어 선택
T를 눌러 Opacity 표시
시작 지점에서 Opacity를 0%로 설정
시계 모양 버튼을 눌러 키프레임 생성
원하는 시간만큼 뒤로 이동
Opacity를 100%로 변경

이렇게 하면 처음에는 투명했다가 시간이 지나면서 점점 나타나는 애니메이션이 만들어진다.

이 구조를 이해하면 After Effects의 움직임이 훨씬 쉽게 보인다.
결국 "어느 시점에 어떤 값을 가질 것인가"를 정하는 작업이기 때문이다.

인디케이터 위치가 중요한 이유

키프레임을 찍을 때 가장 먼저 확인해야 하는 것은 인디케이터의 위치다.

인디케이터는 현재 타임라인에서 내가 작업하고 있는 시간을 가리킨다.
같은 값을 입력하더라도 인디케이터가 0초에 있으면 0초에 키프레임이 찍히고, 2초에 있으면 2초에 키프레임이 찍힌다.

다만 여기서 중요한 조건이 있는데, 해당 속성의 스톱워치가 켜져 있어야 한다.

예를 들어 Position의 스톱워치를 켜고 0초에서 위치값을 지정한 뒤, 2초로 이동해 위치값을 바꾸면 2초 지점에 새로운 키프레임이 생긴다.

값을 바꿨는데 움직이지 않는다면, 가장 먼저 스톱워치가 켜져 있는지 확인하는 편이 좋다.

키프레임 복사와 붙여넣기

키프레임은 복사해서 다른 시간대에 붙여 넣을 수 있다.

예를 들어 어떤 텍스트가 커졌다가 원래 크기로 돌아오는 움직임을 만들었다고 하고, 같은 움직임을 다른 텍스트에도 적용하고 싶다면 키프레임을 다시 하나씩 찍을 필요가 없다.

이미 만든 키프레임을 선택해 복사한 뒤, 인디케이터를 원하는 위치에 두고 붙여 넣으면 된다.

이때 주의할 점은 붙여넣기 기준이 인디케이터 위치라는 것이다.
인디케이터를 어디에 두느냐에 따라 키프레임이 들어가는 시간이 달라진다.

키프레임 복사 기능은 같은 리듬의 애니메이션을 반복해서 만들 때 특히 유용하다.
실제로 작업하다 보면 비슷한 등장 효과를 여러 레이어에 적용해야 하는 경우가 많기 때문에, 복사와 붙여넣기를 익혀두면 작업 시간이 꽤 줄어든다.

키프레임 작업할 때 확인하면 좋은 것

키프레임 작업을 할 때는 아래 항목을 먼저 확인하면 실수를 줄일 수 있다.

움직일 레이어를 제대로 선택했는가
Position, Scale, Rotation, Opacity 중 어떤 속성을 바꿀 것인가
인디케이터가 원하는 시간에 있는가
스톱워치가 켜져 있는가
시작값과 끝값이 명확한가
붙여넣을 때 인디케이터 위치가 맞는가
전체 재생했을 때 움직임이 너무 빠르거나 느리지 않은가

실제로 키프레임이 이상하게 찍혔을 때는 대부분 위 항목 중 하나에서 문제가 생긴 경우가 많았다.

자막 및 타이틀 추가

After Effects에서 자막이나 타이틀을 추가하려면 아래의 사진과 같이 상단 툴바의 Type Tool을 선택하거나, Windows 기준 Ctrl + T를 사용할 수 있다.
참고로 T 단축키는 텍스트 툴이 아니라 선택한 레이어의 Opacity 속성을 여는 단축키이므로 헷갈리지 않도록 주의해야 한다.

텍스트를 입력하기 전에 정렬 상태를 먼저 확인하는 것이 좋다.

텍스트 작업에서 자주 쓰는 기능은 자간 조절인데, 텍스트를 선택한 상태에서 Alt + 좌우 방향키를 누르면 글자 간격을 조절할 수 있다.
자간에 따라 영상의 분위기가 달라지기 때문에 자간도 신경을 써서 조절해야 한다.

그리고 텍스트 입력을 마쳤다면 Ctrl + Enter로 입력을 완료할 수 있다.

앵커 포인트 및 위치 이동

After Effects에서 오브젝트를 회전하거나 확대할 때 기준점이 되는 것이 앵커 포인트다.

아래 예시 이미지를 보면 텍스트 창 한가운데에 빨간색 과녁표시가 있는데, 이 과녁표시가 앵커 포인트다.

앵커 포인트 관련해서 알아두면 좋은 단축키 2개가 있다.

Ctrl + Alt + Home: 앵커 포인트를 오브젝트 중심으로 이동
Ctrl + Home: 선택한 레이어를 현재 화면 중앙에 배치

두 기능은 비슷해 보이지만 다르다.
첫 번째는 기준점 자체를 오브젝트 중심으로 맞추는 것이고, 두 번째는 레이어의 위치를 컴포지션 중앙 쪽으로 옮기는 기능이다.

좌: 앵커 포인트를 오브젝트 중심으로 이동 / 우: 레이어를 화면 중앙에 배치

회전이나 스케일 애니메이션이 어색하게 보일 때는 대부분 앵커 포인트가 엉뚱한 곳에 있는 경우가 많기 때문에, 되도록이면 앵커 포인트를 오브젝트 중심으로 지정해 놓는 편이 좋다.

렌더링: 최종 영상을 파일로 만드는 과정

작업이 끝나면 렌더링을 통해 최종 영상을 파일로 출력할 수 있다.

Ctrl + M을 누르면 아래와 같은 창이 뜨고, Render Queue에 컴포지션을 추가할 수 있다.

렌더링 할 때 확인할 부분은 크게 세 가지다.

Render Settings: 출력할 프레임, 해상도, 품질
Output Module: 포맷, 코덱, 압축 설정
Output To: 저장 위치와 파일 이름

위의 3가지가 전부 확인이 됐다면 우측 상단에 있는 Render 버튼을 눌러 영상 렌더링을 진행할 수 있다.

일반적으로 웹이나 블로그, 유튜브에 올릴 영상이라면 H.264 기반의 mp4 파일을 많이 사용한다.

After Effects를 처음 배울 때 가장 중요한 것은 많은 효과를 외우는 것이 아니다.
먼저 키프레임으로 시간에 따른 변화를 만들 수 있어야 한다.

Position, Scale, Rotation, Opacity만 제대로 이해해도 간단한 모션그래픽과 후보정 작업을 시작할 수 있다.

After Effects는 처음부터 모든 기능을 외우려고 하면 어렵지만, 컴포지션과 타임라인 구조만 이해하면 작업 흐름이 훨씬 선명해진다.

생성형 AI로 카드뉴스 만들기

보별 — Wed, 27 May 2026 16:59:14 +0900

지난 글에서는 생성형 AI를 활용해 영화 포스터를 기획하고, 이미지 생성 결과물을 포스터처럼 다듬는 과정을 정리했다.
이번 글에서는 그 흐름을 조금 더 실전 콘텐츠에 가까운 카드뉴스 제작에 적용해 보려고 한다.

카드뉴스는 단순히 예쁜 이미지를 여러 장 만드는 작업이 아니다.
각 장면이 하나의 이야기처럼 이어져야 하고, 이미지 위에 들어가는 문구도 읽기 쉬워야 한다.
그래서 Midjourney만 잘 쓰는 것보다 생성형 AI로 먼저 기획을 정리하고, Midjourney로 이미지를 생성한 뒤, 포토샵에서 텍스트를 마무리하는 흐름이 훨씬 안정적이다.

실제로 작업해 보면 이미지 생성보다 먼저 막히는 부분은 "무슨 장면을 만들지"와 "어떤 문구를 넣을지"인 경우가 많다.

카드뉴스 제작에서 생성형 AI를 먼저 사용하는 이유

카드뉴스를 만들 때 바로 Midjourney에 프롬프트를 입력하면 결과가 흔들리기 쉽다.
특히 4장 이상의 시리즈 콘텐츠는 장면마다 분위기, 색감, 인물의 감정이 이어져야 한다.

그래서 먼저 생성형 AI에게 다음과 같은 역할을 부여한다.

너는 지금부터 Midjourney 프롬프트 엔지니어야.
내가 요청하는 내용을 바탕으로 Midjourney에서 좋은 이미지를 만들 수 있도록 프롬프트를 구성해 줘.
내용이 추상적이거나 부족하면 바로 프롬프트를 만들지 말고 추가 질문을 해줘.

이렇게 설정하면 생성형 AI가 단순히 영어 문장만 만들어주는 것이 아니라, 이미지 생성에 필요한 정보를 질문하고 정리하는 기획자 역할을 하게 된다.

카드뉴스 제작 실습

좋은 카드뉴스 프롬프트에 필요한 정보

카드뉴스용 이미지를 만들 때는 최소한 아래 요소가 필요하다.

카드뉴스의 주제
주인공 또는 중심 오브젝트
장면의 시간대와 장소
전달하고 싶은 감정
이미지 스타일
카드뉴스 비율
텍스트를 넣을 여백
피하고 싶은 요소

예를 들어 "카페 카드뉴스 만들어줘"라고 하면 결과가 너무 넓게 나온다.
반면 아래처럼 요청하면 훨씬 명확해진다.

퇴근길에 지친 직장인에게 작은 카페의 햄스터 바리스타가 아이스 아메리카노를 건네는 따뜻한 감성 카드뉴스를 만들고 싶어.
전체 분위기는 파스텔톤이고, 위로와 휴식이 느껴졌으면 좋겠어.
4장 구성으로 만들고, 이미지에는 텍스트를 넣지 말고 포토샵에서 따로 넣을 수 있게 여백을 남겨줘.

이 정도로 정리하면 생성형 AI는 4장 구성과 각 장면별 Midjourney 프롬프트를 훨씬 구체적으로 만들 수 있다.

카드뉴스 구성 예시

이번 작업물은 햄스터 바리스타가 퇴근길 직장인에게 커피를 건네는 카드뉴스를 예시로 잡았다.

구성은 다음처럼 정리할 수 있다.

1장: 퇴근길의 피곤함

하루를 마치고 카페 앞에 선 직장인의 모습을 보여준다.
문구는 "오늘도 정말 고생했어요"처럼 짧고 바로 감정이 전달되는 문장이 어울린다.

2장: 작은 카페의 준비

햄스터 바리스타가 카페 안에서 커피를 준비하는 장면이다.
이 장면은 단순히 귀여운 이미지를 보여주는 것이 아니라, "누군가를 위해 정성스럽게 준비되는 한 잔"이라는 느낌을 만든다.

3장: 커피를 건네는 순간

핵심 장면이다.
햄스터 바리스타가 직장인에게 커피를 건네고, 직장인은 조금 안도한 표정을 짓는다.

4장: 위로의 마무리

마지막 장은 메시지가 가장 중요하다.
"잠깐 쉬어가도 괜찮아요" 또는 "오늘 하루도 충분히 잘 해냈어요"처럼 독자가 자기 이야기처럼 받아들일 수 있는 문구가 좋다.

카드뉴스를 만들 때는 각 장을 따로따로 생각하기보다, 짧은 영상의 컷처럼 이어진다고 생각하면 구성이 훨씬 자연스러워진다.

Midjourney 프롬프트로 바꾸기

장면 구성을 정리했다면, 이제 각 장면을 Midjourney에서 사용할 수 있는 이미지 프롬프트로 바꿔주면 된다.

이때 중요한 것은 단순히 장면을 영어로 번역하는 것이 아니다.
카드뉴스의 분위기가 이어지도록 시간대, 조명, 색감, 캐릭터 특징, 여백 조건을 함께 넣어야 한다.

이번 작업에서는 따뜻한 퇴근길 분위기, 작은 카페, 햄스터 바리스타, 아이스 아메리카노, 파스텔톤 일러스트를 공통 요소로 잡았다.
또 이미지 안에 글자가 임의로 들어가면 나중에 포토샵에서 텍스트를 얹기 불편하기 때문에, 각 프롬프트에는 "no text, no typography"를 함께 넣었다.

1장은 카드뉴스의 첫인상을 정하는 장면이다.
작은 카페의 문이 열리고, 하루를 마친 사람을 조용히 맞이하는 분위기를 보여주고 싶었다.

A wide shot of a small cafe exterior in the evening golden hour, a beige golden hamster barista with soft fur, round cheeks, tiny black eyes, and a cream apron gently opening the cafe door, quiet and sincere mood, pastel warm color palette, soft sunset glow, cute but emotionally grounded storybook editorial illustration, cozy healing atmosphere, the outdoor takeout window visible, clean composition for SNS, no text, no typography, warm overall image with subtle cool accents --ar 4:5 --stylize 200

2장은 커피가 준비되는 과정이다.
이 장면에서는 햄스터 바리스타의 귀여움보다, 누군가를 위해 한 잔을 정성스럽게 준비한다는 느낌을 살리는 데 초점을 맞췄다.

A close-up focused on the tiny paws of the same beige golden hamster barista from the reference image, wearing a cream apron, carefully preparing a clear takeaway cup of iced americano filled with crystal-clear ice, warm pastel evening lighting, soft emotional storybook-commercial illustration, the drink looking cold, fresh, and clean, detailed paw movement, cozy healing mood, keep the character visually consistent with the reference image, no text, no typography --ar 4:5 --stylize 200 --oref [이전 이미지 링크] --ow 100

3장은 카드뉴스의 핵심 장면이다. 햄스터 바리스타가 커피를 건네고, 지친 직장인이 잠시 위로받는 순간을 보여주도록 구성했다.

A medium shot of the same beige golden hamster barista in a cream apron gently offering a clear plastic takeaway cup of iced americano with visible ice to the same young office worker at the outdoor takeout window, upper-body composition, the customer looking like a tired office worker after a long day, carrying a casual work bag, with slightly tired eyes and a calm relieved expression, subtle emotional eye contact, soft pastel warm tones, emotionally resonant healing illustration, quiet and comforting atmosphere, cute yet sincere storytelling, no text, no typography --ar 4:5 --stylize 200 --oref [이전 이미지 링크] --ow 100

4장은 여운을 남기는 마무리 장면이다.
카페 안에서 바깥을 바라보는 구도를 사용해, 커피를 받은 사람이 잠시 쉬어가는 느낌을 만들고 싶었다.

An emotional interior-to-exterior shot viewed from inside the cafe, looking outward through the takeout window, with the same beige golden hamster barista in a cream apron shown in the foreground from behind in a soft three-quarter back view, quietly watching the same young office worker standing outside the window and facing the camera, holding a clear plastic takeaway cup of iced americano with visible ice, the customer looking slightly relieved and comforted with a calm gentle expression, warm pastel sunset light, generous negative space, soft healing storybook editorial illustration, cute yet sincere storytelling, quiet hopeful mood, clean elegant SNS composition, only one human customer, no other human staff inside, no text, no typography --ar 4:5 --stylize 200 --oref [이전 이미지 링크] --ow 100

이렇게 장면마다 프롬프트를 따로 만들면, 단순히 예쁜 이미지를 뽑는 것보다 카드뉴스 전체의 흐름을 유지하기 쉽다.
실제로 작업해 보면 프롬프트의 세부 표현보다 중요한 것은 네 장이 같은 감정선 안에 있는지 확인하는 과정이다.

이미지 톤이 다르면 대표 이미지를 기준으로 다시 요청하기

Midjourney로 4장의 이미지를 각각 생성하면, 생각보다 화풍이 다르게 나올 수 있다.

예를 들어 1장은 동화풍인데, 2장은 반실사 풍이고, 3장은 3D 애니메이션처럼 나오면 같은 콘텐츠처럼 보이지 않는다.
이럴 때는 가장 마음에 드는 이미지를 기준으로 잡고 다음처럼 요청한다.

1번 이미지의 파스텔톤, 부드러운 조명, 동화책 같은 일러스트 느낌을 유지하면서 나머지 장면도 같은 시리즈처럼 다시 만들어줘.

실제로 이 과정을 거치면 “각 장이 예쁜가”보다 “한 묶음처럼 보이는가”를 더 많이 보게 된다.

포토샵에서 아트보드로 카드뉴스 정리하기

이미지를 생성한 뒤에는 포토샵에서 카드뉴스 형태로 정리하였다.
그리고 아트보드를 사용하면 여러 장의 카드뉴스를 한 파일 안에서 관리할 수 있어, 문구와 색감을 비교하기가 훨씬 편하다.

일반적인 카드뉴스라면 1080x1080 px 정사각형을 기준으로 작업하면 좋다.
인스타그램, 블로그 썸네일, 카드뉴스형 포스트에 활용하기 쉽기 때문이다.

이번 작업에서는 Midjourney에서 세로 구도 이미지를 먼저 생성한 뒤, 포토샵에서 카드뉴스용 정사각형 비율에 맞게 배치했다.
처음부터 1:1로 생성해도 되지만, 4:5로 뽑으면 인물과 배경을 조금 더 여유 있게 확보할 수 있기 때문이다.

카드뉴스 텍스트 작업에서 중요한 점

카드뉴스는 이미지가 예뻐도 글자가 읽히지 않으면 실패한 콘텐츠가 된다.
특히 감성 일러스트 위에 밝은 글자를 얹으면 배경과 섞여 잘 보이지 않을 수 있다.

텍스트 작업에서는 다음을 확인해야 한다.

글자는 너무 작지 않은가
배경과 충분히 대비되는가
제목과 본문 크기 차이가 있는가
그림자나 획이 과하지 않은가
문구가 한눈에 읽히는가
이미지의 중요한 얼굴이나 오브젝트를 가리지 않는가

폰트는 분위기에 맞게 골라야 한다.
예를 들어 따뜻한 감성 카드뉴스라면 둥근 고딕, 손글씨 느낌, 부드러운 제목용 폰트가 잘 어울린다.

아래는 오늘 작업물이다.

실전 체크리스트

카드뉴스를 완성하기 전에 아래 항목을 확인하면 좋다.

4장의 색감이 비슷한가
주인공 캐릭터가 장면마다 지나치게 달라지지 않았는가
각 장면이 하나의 이야기처럼 이어지는가
텍스트를 넣을 여백이 충분한가
글자가 모바일 화면에서도 읽히는가
문구가 너무 길지 않은가
이미지 안에 이상한 글자나 불필요한 오브젝트가 없는가
PNG로 출력했을 때 화질이 깨지지 않는가

카드뉴스는 작은 화면에서 소비되는 경우가 많아서, 완성 후에는 반드시 휴대폰 화면 기준으로 한 번 더 확인하는 편이 좋다.

이번 포스트의 핵심은 생성형 AI와 Midjourney를 따로 쓰는 것이 아니라, 생성형 AI로 기획을 정리하고 Midjourney로 이미지를 만든 뒤 포토샵에서 콘텐츠 형태로 완성하는 것이다.

생성형 AI는 이미지를 빠르게 만들어주지만, 카드뉴스의 흐름과 문구, 가독성까지 자동으로 완성해주지는 않는다.
이번 작업을 해보면, 카드뉴스는 한 장의 완성도보다 네 장이 같은 분위기로 이어지는지가 더 중요하다는 점이 잘 보인다.
이미지가 각각 예쁘게 나와도 색감이나 감정선이 달라지면 하나의 콘텐츠처럼 느껴지지 않기 때문이다.

영화 포스터 제작이 한 장의 강한 이미지를 만드는 과정이었다면, 카드뉴스 제작은 여러 장의 이미지를 하나의 감정선으로 묶는 과정에 가깝다는 걸 느낄 수 있다.

생성형 AI로 영화 포스터 만들기

보별 — Tue, 26 May 2026 17:29:17 +0900

생성형 AI를 활용하면 이미지 디자인 및 제작 과정이 훨씬 쉽고 빨라진다.
예전에는 이미지를 직접 촬영하거나 일러스트를 제작한 뒤 편집해야 했지만, 이제는 원하는 장면을 문장으로 정리하고 AI 이미지 생성 도구를 활용해 포스터의 기본 이미지를 만들 수 있다.

이번 글에서는 Mockup의 개념을 먼저 배우고, 생성형 AI로 영화 포스터 이미지를 만든 뒤 제목, 소제목, 폰트, 자간, 그림자 효과를 조정해 실제 포스터처럼 완성하는 과정을 작성했다.

실제로 작업해 보면 이미지를 잘 뽑는 것보다, 그 이미지를 포스터처럼 보이게 정리하는 과정이 더 중요하게 느껴진다.

Mockup

Mockup은 디자인 제품을 실제로 만들기 전, 완성된 결과물이 어떻게 보일지 미리 확인하기 위해 제작하는 시각적 시제품이다.
쉽게 말하면 “이 디자인이 실제 제품이나 결과물에 적용되면 어떤 느낌일까?”를 확인하는 단계다.

Mockup Samples

예를 들어 영화 포스터를 만든다면 단순히 예쁜 이미지를 생성하는 것에서 끝나지 않는다.
이미지 위에 제목을 올렸을 때 잘 보이는지, 소제목이 분위기를 해치지 않는지, 폰트가 장르와 맞는지, 전체 구도가 실제 포스터처럼 보이는지를 확인해야 한다.

디자인 분야에서 Mockup은 완성품의 시각적 모습을 보여주고, 피드백을 받아 개선하는 용도로 사용된다.

영화 포스터 제작 실습

영화 포스터 기본 기획

먼저 만들고 싶은 영화 포스터의 분위기와 장르를 정해야 한다.

이번 실습에서 잡은 포스터 콘셉트는 다음과 같다.

포스터 콘셉트

잔잔한 바다 한가운데 빨간색 우체통
푸른 하늘
소량의 구름
로맨스 애니메이션 분위기
2:3 세로형 영화 포스터 구도

이 콘셉트는 강한 액션이나 미스터리보다는 조용한 감정선이 중요한 이미지에 가깝다.
따라서 프롬프트를 작성할 때도 “화려함”보다는 “잔잔함, 여백, 감성, 애니메이션 영화 포스터” 같은 방향을 강조하는 것이 좋다.

AI 이미지 생성용 프롬프트 예시

포스터 제작을 위한 프롬프트를 작성할 때는 단순히 "영화 포스터 만들어줘"라고 입력하기보다 다음 요소를 구체적으로 적는 것이 좋다.

영화 장르
중심인물 또는 오브젝트
배경 장소
전체 분위기
색감
카메라 구도
조명
포스터 스타일

아래는 이번 콘셉트를 바탕으로 작성할 수 있는 프롬프트 예시다.

A cinematic anime-style movie poster, a single red mailbox standing in the middle of a calm open sea, gentle ocean surface with soft reflections, wide peaceful atmosphere, clear blue sky with a few small white clouds, minimal composition, emotional and poetic mood, Japanese animated film aesthetic, soft natural lighting, delicate colors, clean background, large empty space in the sky for future title text, no people, no buildings, no boats, highly detailed, beautiful poster composition --ar 2:3 --no text letters typography logo watermark signature

한국어로 풀어보면 다음과 같은 의미다.

시네마틱 애니메이션 스타일의 영화 포스터, 고요한 열린 바다 한가운데 서 있는 빨간 우체통 하나, 부드러운 반사가 있는 부드러운 바다 표면, 넓은 평화로운 분위기, 몇 개의 작은 흰 구름이 있는 맑은 푸른 하늘, 최소한의 구성, 감정적이고 시적인 분위기, 일본 애니메이션 영화 미학, 부드러운 자연 채광, 섬세한 색채, 깨끗한 배경, 미래의 제목 텍스트를 위한 하늘의 넓은 빈 공간, 사람도, 건물도, 배도, 매우 상세하고 아름다운 포스터 구성 --ar 2:3 --no text letters typography logo watermark signature

여기서 중요한 부분은 대상, 배경, 분위기, 장르, 구도, 비율을 분리해서 적는 것이다.

프롬프트를 짧게 쓰면 AI가 빈칸을 마음대로 채우기 때문에, 원하는 포스터 분위기가 있다면 최소한의 연출 방향은 직접 정해주는 편이 좋다.

이미지 윗부분이 비어있지 않은 포스터보다 배경 일러스트에 가까울 경우, "vertical movie poster layout", "cinematic composition", "minimal and poetic mood" 같은 표현을 추가해 주면 포스터 구도의 이미지가 생성될 확률이 높아진다.

위 프롬프트로 생성된 이미지

여러 이미지 중 최종적으로 선택한 이미지는 빨간 우체통이 가장 잘 보이고, 바다와 하늘의 여백이 충분히 남아 제목을 배치하기 좋은 것으로 선택했다.
포스터 제작에서는 이미지 자체의 완성도뿐 아니라 글자를 올릴 공간이 있는지도 중요하다.

실제로 이미지를 생성해 보면, 처음부터 완성본이 나오기보다는 여러 결과물 중에서 가장 콘셉트에 가까운 이미지를 고르고 다시 다듬는 과정이 중요하다는 점을 느끼게 된다.

제목과 소제목 정하기

포스터 이미지를 만들었다면 다음 단계는 제목과 소제목을 정하는 것이다.

영화 포스터에서 제목은 단순한 글자가 아니라 작품의 분위기를 결정하는 중요한 요소다.
같은 이미지라도 제목이 차분하면 예술 영화처럼 보이고, 강렬하면 스릴러나 액션 영화처럼 느껴질 수 있다.

좋은 포스터 제목은 보통 짧고 기억하기 쉬운 것이고, 소제목은 제목에서 다 설명하지 못한 분위기나 내용을 보완하는 역할을 한다.

생성형 AI를 활용하면 제목 후보를 빠르게 뽑을 수 있다.
다만 AI가 만들어준 제목을 그대로 쓰기보다는, 포스터의 분위기와 장르에 맞는 후보를 골라 다듬는 것이 좋다.

이번 콘셉트에 어울리는 제목 후보는 다음과 같았다.

제목 후보

수면 위의 너에게
바다에 닿는 편지
여름 끝의 우체통
파도 너머의 약속
너에게 보내는 하늘
수평선에 남긴 편지

소제목 후보

잠기는 세계에서도, 나는 너를 찾고 있어
말하지 못한 마음이 바다를 건너간다
잊고 있던 여름, 한 통의 편지가 도착했다
파도 위에 남겨진 가장 조용한 고백
다시 만날 수 있다면, 이 편지가 먼저 도착하길

개인적으로는 "수면 위의 너에게"가 짧고 여운이 남아 로맨스 애니메이션 포스터에 잘 어울린다고 느꼈다.
제목이 너무 설명적이면 포스터보다 줄거리 소개처럼 느껴질 수 있기 때문이다.

폰트 선택

포스터의 분위기를 완성하는 데 가장 중요한 요소 중 하나는 폰트다.
포스터에서는 폰트가 이미지의 분위기를 크게 바꾸기 때문에 예쁜 폰트보나 분위기에 맞는 폰트를 잘 골라야 한다.

같은 제목이라도 어떤 폰트를 사용하느냐에 따라 전혀 다른 느낌이 난다.
굵고 각진 폰트는 강한 인상을 주고, 얇고 여백이 많은 폰트는 조용하고 진중한 분위기를 만든다.

잔잔한 로맨스 애니메이션 포스터라면 너무 두껍고 강한 고딕체보다는 부드러운 명조체, 손글씨 느낌의 폰트, 얇고 여백이 있는 폰트가 잘 어울린다.
그래서 글자가 강하게 튀기보다 이미지의 분위기와 자연스럽게 어울리는, 부드럽고 감성적인 인상의 마루부리 폰트를 채택하였다.

폰트는 눈누 같은 사이트에서 찾아볼 수 있다.

https://noonnu.cc/

눈누는 상업적으로 사용할 수 있는 한글 폰트를 모아 보여주는 서비스지만, 모든 폰트가 모든 용도에 제한 없이 사용 가능한 것은 아니다.
눈누 FAQ에서도 폰트별 라이선스 요약표를 확인하고, 정확한 라이선스는 제작사 또는 제작자 사이트에서 확인하는 것을 권장한다고 안내한다.

폰트 사용 전에는 최소한 아래 항목을 확인하는 것이 좋다.

개인 사용 가능 여부
상업적 이용 가능 여부
영상, 포스터, 굿즈 사용 가능 여부
웹폰트 또는 앱 임베딩 가능 여부
폰트 파일 수정 가능 여부
출처 표기 필요 여부

특히 블로그, 유튜브, 판매용 포스터, 굿즈 제작에 사용할 계획이 있다면 라이선스 확인은 필수다.

폰트는 디자인에서 작은 요소처럼 보이지만, 실제로는 포스터의 장르와 신뢰감을 결정하는 요소에 가깝다.

자간 조절로 분위기 만들기

포스터 제목은 단순히 글자를 올리는 것만으로 완성되지 않는다.
글자 사이의 간격, 즉 자간을 어떻게 조정하느냐에 따라 분위기가 달라진다.

자간은 글자와 글자 사이의 간격을 의미한다.
자간을 좁히면 글자가 단단하고 강하게 느껴지고, 자간을 넓히면 차분하고 여유 있는 느낌이 난다.

특히 영화 포스터에서는 제목에 여백을 많이 주면 고요하고 진중한 분위기를 만들 수 있다.
반대로 액션, 공포, 스릴러 장르에서는 자간을 너무 넓히면 긴장감이 떨어질 수 있으므로 주의해야 한다.

자간 조정에서 중요한 것은 "예쁘게 보이는가"보다 "영화의 분위기와 맞는가"다.

예를 들어 조용한 드라마 포스터라면 제목을 넓게 배치해 여운을 줄 수 있다.
하지만 강렬한 추격전이나 재난 영화 포스터라면 제목을 조금 더 압축해 힘을 주는 편이 어울릴 수 있다.

이번처럼 잔잔한 바다와 로맨스 애니메이션 분위기를 표현하려면 제목의 자간을 살짝 넓히는 편이 좋다.

아래와 같이 "수면 위의 너에게"라는 제목을 사용할 때 글자 사이에 적당한 여백을 주면, 포스터 전체가 더 차분하고 감성적으로 보인다.

포스터 분위기에 어울리는 폰트와 자간

작업할 때는 자간을 조금만 바꿔도 분위기가 달라지기 때문에, 포스터 디자인에서는 글자 간격을 여러 번 비교해 보는 과정이 꽤 중요하다.

그림자 효과

포스터에서 글자가 배경에 묻히면 제목이 잘 보이지 않는다.
이때 사용할 수 있는 방법이 그림자 효과다.

다만 그림자는 눈에 띄게 넣는 것이 아니라, 글자가 배경에서 살짝 분리될 정도로 티 나지 않게 넣는 것이 좋다.
그림자가 너무 강하면 오히려 촌스럽게 보이거나 디자인의 완성도가 낮아 보일 수 있다.

그림자 효과를 넣을 때 확인하면 좋은 기준은 다음과 같다.

제목이 배경에서 잘 읽히는가
그림자가 너무 튀지 않는가
배경색과 그림자 색이 어색하게 충돌하지 않는가
소제목까지 읽기 쉬운가
전체 포스터 분위기를 해치지 않는가

그림자는 많이 넣을수록 좋은 효과가 아니라, 거의 티가 나지 않지만 글자가 또렷해지는 정도가 가장 자연스럽다.

포스터에서 글자를 강조하기 위해 그림자를 사용할 때, 그림자 색을 완전히 검은색으로 두기보다, 배경색과 비슷한 어두운 색으로 지정하는 것이 좋다.
특히 감성적인 애니메이션 포스터에서는 진한 검은 그림자보다, 배경색과 비슷한 어두운 색을 아주 약하게 넣는 편이 자연스럽다.

예를 들어 푸른 바다 배경이라면 검은색 그림자보다 어두운 남색이나 짙은 청록색 계열을 사용하는 식이다.

자세히 보면 제목 뒤로 배경과 비슷한 색으로 연하게 그림자가 있는 것을 확인할 수 있음

그림자의 목적은 "효과를 보여주는 것"이 아니라 "글자를 읽히게 만드는 것"에 가깝다.

실습 흐름 정리

이번 수업에서 진행한 영화 포스터 제작 흐름을 정리하면 다음과 같다.

만들고 싶은 포스터의 장르와 분위기를 정한다.
핵심 오브젝트와 배경을 정리한다.
생성형 AI에 넣을 이미지 프롬프트를 작성한다.
포스터 이미지를 생성한다.
생성 결과 중 포스터에 가장 적합한 이미지를 선택한다.
생성형 AI로 제목과 소제목 후보를 만든다.
포스터 분위기에 맞는 폰트를 고른다.
폰트 라이선스를 확인한다.
제목과 소제목을 배치한다.
자간과 크기를 조정한다.
글자가 잘 보이도록 그림자를 약하게 넣는다.
전체 이미지를 Mockup처럼 확인하며 최종 수정한다.

이 순서대로 작업하면 단순한 AI 이미지가 아니라, 실제 포스터처럼 보이는 결과물에 가까워진다.

최종 완성본

Mockup으로 완성 이미지 확인하기

포스터 디자인이 어느 정도 완성되었다면 Mockup 이미지에 적용해 보는 것이 좋다.

포스터 파일만 볼 때는 괜찮아 보였던 디자인도 실제 벽면이나 광고판에 적용하면 다르게 보일 수 있다.
제목이 너무 작게 보이거나, 소제목이 잘 읽히지 않거나, 이미지의 중심이 어색하게 느껴질 수 있다.

Mockup은 이런 문제를 미리 확인하는 데 도움이 된다.

영화 포스터 작업에서는 다음과 같은 Mockup을 활용할 수 있다.

영화관 벽면 포스터 Mockup
버스 정류장 광고판 Mockup
잡지 표지 Mockup
전광판 Mockup
액자형 포스터 Mockup
SNS 홍보 이미지 Mockup

Mockup 이미지로 확인

Mockup까지 적용해 보면 단순히 이미지를 만든 것이 아니라, 실제로 사용될 수 있는 디자인 결과물처럼 보이기 시작한다.

생성형 AI 영화 포스터 제작은 단순히 이미지를 생성하는 과정이 아니다.
원하는 장면을 구체적으로 기획하고, AI가 만든 이미지를 바탕으로 제목, 소제목, 폰트, 자간, 그림자까지 조정해야 하나의 포스터 디자인으로 완성된다.

또한 Mockup은 결과물을 예쁘게 보여주기 위한 이미지가 아니라, 실제 사용 환경에서 디자인이 어떻게 보이는지 확인하는 평가 과정에 가깝다.
포스터 파일만 볼 때는 괜찮아 보여도 벽면, 광고판, 액자 등에 적용해 보면 글자 크기나 배치가 다르게 느껴질 수 있기 때문이다.

직접 만들어보면 AI가 이미지를 생성하는 시간보다, 어떤 결과물을 선택하고 어떻게 다듬을지 판단하는 시간이 더 중요하다는 것을 체감하게 된다.
결국 생성형 AI는 제작 시간을 줄여주는 도구이고, 최종 완성도는 사람의 디자인 판단에서 결정된다.

Midjourney 사용법 정리: 프롬프트 작성과 이미지 수정

보별 — Sat, 23 May 2026 11:17:57 +0900

Midjourney를 처음 사용하면 가장 먼저 눈에 들어오는 것은 4개의 이미지 결과다.
같은 프롬프트를 입력했는데도 서로 다른 분위기의 이미지가 나오고, 그 아래에는 U1, U2, V1, V2 같은 버튼이 붙어 있다.
처음에는 이 버튼들이 단순한 선택 버튼처럼 보이지만, 실제로는 Midjourney 작업 흐름의 핵심에 가깝다.

이번 글에서는 Midjourney 이미지 생성 방법, 프롬프트 작성법, Variation과 Upscale 차이, Remix Mode, Vary Region, Zoom Out, Pan, --ar, --no 같은 주요 파라미터를 정리해보려고 한다.

참고로 이 글은 Midjourney의 가입이나 설치 방법을 설명하는 글이 아니라, 실제로 이미지를 생성하고 수정하는 사용법을 정리한 글이다.
Midjourney 가입, Discord 연동, 요금제 선택, 설치 과정은 시점에 따라 화면과 절차가 바뀔 수 있으므로 최신 정보를 직접 검색하거나 공식 도움말을 확인하는 편이 좋다.
여기서는 Midjourney를 사용할 수 있는 상태를 기준으로 프롬프트 작성, 이미지 선택, 변형, 업스케일, 부분 수정 기능을 중심으로 다룬다.

Midjourney

Midjourney는 텍스트 프롬프트를 입력하면 이미지를 생성해 주는 생성형 AI 도구다.
사용자는 만들고 싶은 이미지를 문장이나 단어로 설명하고, Midjourney는 그 내용을 바탕으로 여러 개의 이미지 후보를 만든다.
그리고 생성한 이미지의 해상도 업그레이드, 디테일 추가, 이미지 블렌딩 등의 기능으로 편집도 가능하다.

Midjourney를 잘 쓰려면 “한 번에 완성 이미지를 뽑는다”는 생각보다, “AI가 만든 후보 중 좋은 방향을 선택하고 계속 발전시킨다”는 방식으로 접근하는 편이 좋다.
실제로 작업하다 보면 첫 결과보다 두세 번 변형한 이미지가 훨씬 목적에 가까워지는 경우가 많다.

기본 이미지 생성: /imagine과 프롬프트

Midjourney에서 이미지를 만들 때는 보통 /imagine 명령어를 사용한다.
Discord에서는 채팅창에 /imagine을 입력하고, Prompt 영역에 원하는 이미지 설명을 적으면 된다.

예를 들어 고양이 이미지를 만들고 싶다면 다음처럼 입력할 수 있다.

cute fluffy cat, soft light, realistic photo, close-up portrait --ar 1:1

여기서 중요한 것은 프롬프트를 단순히 길게 쓰는 것이 아니라, AI가 이해할 수 있는 시각 요소로 정리하는 것이다.

좋은 프롬프트에는 보통 다음 요소가 들어간다.

주제	cat, red mailbox, young prince
구체적 묘사	fluffy, gigantic, lonely, elegant
매체	photo, illustration, painting, movie poster
배경	ocean, forest, palace, city street
조명	soft light, neon light, sunset light
색감	pastel, monochrome, vibrant
분위기	calm, mysterious, playful
구도	close-up, portrait, bird’s-eye view
비율	--ar 16:9, --ar 9:16
제외 요소	--no text, --no car

짧고 명확한 프롬프트가 좋은 결과를 만들기 쉽고, 너무 긴 지시문이나 과도한 목록은 오히려 결과를 혼란스럽게 만들 수 있다.

프롬프트 작성의 핵심: 원하는 것을 긍정문으로 쓰기

초보자가 자주 하는 실수 중 하나는 원하지 않는 것을 문장으로 길게 설명하는 것이다.

예를 들어 “케이크 없는 파티”를 만들고 싶어서 다음처럼 쓰면 문제가 생길 수 있다.

party without cake

AI는 이 문장에서 cake를 중요한 단어로 인식할 수 있어서, 오히려 케이크가 등장할 가능성이 생긴다.

더 좋은 방식은 --no 파라미터를 사용하는 것이다.
--no 파라미터를 사용하면 해당 파라미터 뒤에 있는 단어를 포함시키지 않은 이미지를 만들 수 있다.

birthday party, balloons, colorful decorations, happy children --no cake

다만 --no도 완벽한 삭제 명령은 아니다.
예를 들어 본문에 winged cherub라고 쓰고 뒤에 --no wing을 붙이면, 이미 본문에서 날개 달린 존재를 강하게 지시했기 때문에 날개가 계속 나올 수 있다.
이때는 winged라는 단어 자체를 빼야 한다.

프롬프트를 수정할 때는 “무엇을 빼야 하지?”보다 “내가 진짜 원하는 장면은 무엇이지?”를 먼저 생각하는 편이 결과가 안정적이다.

4개의 이미지와 U/V 버튼 이해하기

Midjourney는 프롬프트를 입력하면 아래와 같이 보통 4개의 이미지 후보를 보여준다.

각 이미지에 해당하는 번호는 아래와 같다.

그리고 이미지 아래에 있는 U와 V 버튼이 있는 것도 확인할 수 있는데, Midjourney 작업에서 자주 사용된다.
U는 Upscale, V는 Variation을 의미한다.

U1~U4 버튼은 예전엔 업스케일링의 역할을 했지만, 최근 버전에서는 4분할 이미지 중 하나를 분리해 선택하는 기능에 가깝게 변했다.
선택한 이미지에 대해 실제 업스케일을 적용하려면 이후에 표시되는 Upscale Subtle 또는 Upscale Creative 버튼을 사용하면 된다.

V1~V4는 해당 번호 이미지의 분위기와 구도를 바탕으로 새로운 변형 이미지를 만드는 버튼이다.
마음에 드는 이미지가 있지만 조금 다른 후보를 더 보고 싶을 때 사용하면 된다.

정리하면 다음과 같다.

U1~U4: 마음에 드는 이미지를 선택해 분리
V1~V4: 해당 이미지와 비슷한 방향의 새 후보 생성
Reroll(파란 회전 버튼): 같은 프롬프트로 완전히 새 4장 생성

처음에는 4장 중 가장 예쁜 이미지를 고르게 되지만, 익숙해질수록 “최종 목적에 가장 발전 가능성이 높은 이미지”를 고르게 된다.

Upscale Subtle & Upscale Creative

이미지를 선택한 뒤에는 업스케일을 적용할 수 있다.
업스케일은 이미지를 더 크게 만들고 선명하게 만드는 과정이다.

Midjourney의 대표적인 업스케일 방식은 두 가지다.

Upscale Subtle

원본 이미지를 최대한 유지하면서 크기와 선명도를 높이는 방식이다.
구도, 표정, 색감이 이미 마음에 들고 변형을 최소화하고 싶을 때 적합하다.

Upscale Creative

이미지를 크게 만들면서 AI가 세부 묘사나 보정을 조금 더 적극적으로 추가하는 방식이다.
손, 얼굴, 질감, 배경 디테일을 더 풍부하게 만들고 싶을 때 사용할 수 있다.

거의 바뀌지 않았지만 고양이의 얼굴을 다듬어줌

결과가 이미 거의 완성형이라면 Subtle을 먼저 쓰고, 조금 더 다듬을 여지가 있다면 Creative를 테스트하는 방식이 좋다.

Variation

Variation은 선택한 이미지를 기준으로 새로운 후보를 만드는 기능이다.
대표적으로 Vary Subtle과 Vary Strong이 있다.

Vary Subtle은 기존 이미지의 구도와 분위기를 거의 유지하면서 작은 차이를 만들 때 사용하고, Vary Strong은 더 큰 변화를 주어 새로운 방향의 이미지를 만들 때 사용한다.

왼쪽: Vary Subtle / 오른쪽: Vary Strong

영화 포스터를 만들고 있는데, 이미지의 구도는 마음에 들지만 색감이 조금 아쉽다면 Vary Subtle을 써볼 수 있다.
반대로 인물 배치나 배경까지 더 과감하게 바꾸고 싶다면 Vary Strong이 낫다.

Vary Region

Vary Region은 이미지 전체를 다시 만드는 것이 아니라, 선택한 영역만 다시 생성하는 기능이다.

버튼을 누르면 새 창이 뜨고, 직사각형 도구나 올가미 도구로 수정하고 싶은 부위를 지정할 수 있다.
이후 프롬프트에 바꾸고 싶은 내용을 입력하면 선택한 영역을 중심으로 새 후보가 생성된다.

예시로 고양이 얼굴 영역을 선택한 뒤 강아지 얼굴로 바꿔보았다.

다만 결과를 보면 원본의 형태가 일부 남아 있기 때문에, Vary Region은 한 번에 완벽한 수정 결과를 보장하는 기능이라기보다 원하는 부분을 반복적으로 다듬는 기능에 가깝다.

이 기능은 다음 상황에서 유용하다.

얼굴만 다시 만들고 싶을 때
손 모양이 어색할 때
배경의 특정 사물을 제거하거나 바꾸고 싶을 때
옷, 소품, 표정만 수정하고 싶을 때

이미지 전체를 다시 뽑으면 마음에 들었던 구도까지 바뀔 수 있기 때문에, 거의 완성된 이미지에서는 Vary Region이 특히 유용하다.

Zoom Out & Pan: 이미지 바깥쪽 확장하기

Zoom Out은 원본 이미지의 주변부를 확장해 더 넓은 장면을 만들어준다.

아래와 같이 대상이 너무 크게 잡힌 이미지를 Zoom Out 하면 주변 배경과 여백이 추가된다.

Pan은 특정 방향으로 이미지를 확장하는 기능이다.

아래쪽 화살표를 누르면 이미지의 아랫부분이 확장되고, 위쪽 화살표를 누르면 윗부분이 확장된다.
위쪽 화살표를 누르면 아래와 같이 생성된 이미지의 윗부분을 추가로 그려주게 된다.

즉, Pan은 특정 방향으로 캔버스를 넓히는 방식이고, Zoom Out은 원본 이미지의 네 방향 주변부에 더 많은 맥락과 요소를 추가하는 방식이다.

포스터나 썸네일 작업에서 이 기능을 요긴하게 사용할 수 있다.

Remix Mode: 변형하면서 프롬프트도 바꾸기

Remix Mode는 Variation, Vary Region, Pan 같은 변형 작업을 할 때 기존 프롬프트를 수정할 수 있게 해주는 기능이다.

Remix Mode는 /settings 명령어를 입력한 뒤에, 아래와 같이 Remix Mode 버튼을 눌러 활성화해 줄 수 있다.

예를 들어 처음에는 다음과 같은 프롬프트로 이미지를 만들었다고 하자.

a red mailbox in the middle of the ocean, cinematic, soft light --ar 9:16

이후 Remix Mode를 켠 상태에서 Variation을 누르면 아래와 같이 새 창이 뜨고, 프롬프트를 수정해 다음처럼 바꿀 수 있다.

a red mailbox in the middle of the ocean, Japanese emotional movie poster, melancholic mood, sunset, minimal composition --ar 9:16

Remix Mode를 켜면 단순한 랜덤 변형이 아니라, 기존 이미지를 기반으로 의도적인 방향 전환을 할 수 있다.

Moodboard로 원하는 분위기 유지하기

Midjourney를 사용하다 보면 같은 프롬프트를 입력해도 결과물의 분위기가 매번 다르게 나오는 경우가 있다.
이럴 때 사용할 수 있는 기능 중 하나가 Moodboard다.

Moodboard는 내가 원하는 분위기의 이미지를 여러 장 모아두고, 그 이미지들의 공통된 색감, 조명, 질감, 분위기를 참고해 새로운 이미지를 생성하는 방식이다.

원하는 분위기의 이미지를 약 15장 정도 모아 Moodboard를 생성한 뒤 넣으면 된다.
다만 "반드시 15장이 필요하다"기보다는, 비슷한 분위기의 이미지를 충분히 모을수록 원하는 방향을 잡는 데 도움이 된다고 이해하는 편이 좋다.

Moodboard를 만든 뒤에는 Use in Prompt 기능을 사용해 프롬프트에 추가할 수 있는 명령어를 가져올 수 있다.
Use in Prompt를 누르면 아래와 같이 특정 Moodboard의 ID 파라미터가 뜨는데, 이 파라미터를 복사해 프롬프트 끝에 --p mID 형태로 추가해 사용할 수 있다.

Moodboard는 특정 캐릭터나 사물을 완전히 고정하는 기능이라기보다는, 전체적인 분위기와 시각적 방향을 맞추는 데 유용하다.
비슷한 색감과 감성은 유지하고 싶은데 결과물이 매번 너무 달라질 때 사용하면 특히 효과적이다.

카메라 구도, 앵글, 렌즈 효과를 프롬프트에 넣는 법

Midjourney 프롬프트에는 장면의 내용뿐 아니라 카메라 샷도 함께 적을 수 있다.
같은 인물이나 배경이라도 카메라 구도에 따라 이미지의 느낌이 크게 달라지기 때문이다.

예를 들어 단순히 a boy라고만 입력하면 인물의 거리와 구도가 매번 달라질 수 있다.
하지만 a boy, full body shot처럼 입력하면 인물의 전신이 보이는 구도를 유도할 수 있고, a boy, low angle처럼 입력하면 아래에서 올려다보는 장면을 만들기 쉬워진다.

아래는 자주 쓰기 좋은 카메라 샷 예시다.

인물의 전신을 보여주고 싶을 때 사용한다.

full body shot

눈, 표정, 감정처럼 아주 가까운 디테일을 강조할 때 사용한다.

extreme close up

상반신 중심의 인물 장면에 적합하다.

medium shot

대화 장면이나 누군가를 바라보는 구도를 만들 때 사용하면 좋다.

over the shoulder shot

위에서 내려다보는 구도로 만들고 싶을 때 사용한다.

top view

아래에서 올려다보는 구도로, 인물을 더 강하고 크게 보이게 만들 수 있다.

low angle

배경을 흐리게 하고 피사체를 강조하는 느낌을 줄 수 있다.

bokeh

왜곡이 강한 렌즈 느낌을 만들 때 사용한다.

fisheye

Top View가 잘 나오지 않을 때

Top view는 프롬프트에 단순히 top view만 넣었을 때 원하는 만큼 잘 반영되지 않는 경우가 있다.
이럴 때는 카메라가 위에 있다는 단서를 더 구체적으로 적어주는 것이 좋다.

즉, top view가 잘 반영되지 않을 때는 단순히 시점만 적기보다 "카메라가 위에 있다", "인물이 카메라를 올려다본다", "바닥면이 보인다"처럼 장면의 단서를 함께 넣는 것이 좋다.

a person looking up at the camera from the ground, top-down camera angle, visible ground surface, bird's-eye view

또는 바닥이 보이도록 적어줘도 top view 시점의 이미지 생성이 가능하다.

top-down view, camera looking straight down at the ground, a person standing on the ground and looking up at the camera

AI가 시점을 헷갈릴 때는 "카메라 위치"와 "인물이 어디를 보고 있는지"를 함께 적어주는 편이 결과를 잡기 쉽다.

Midjourney 이미지 활용 기능: /describe, --oref, --cref, --sref

Midjourney를 사용하다 보면 텍스트 프롬프트만으로는 원하는 분위기나 캐릭터를 유지하기 어려울 때가 있다.
이럴 때 활용할 수 있는 기능이 /describe, --oref, --cref, --sref다.

이 기능들은 모두 레퍼런스 이미지를 활용한다는 공통점이 있지만, 목적은 서로 다르다.

/describe: 이미지에서 프롬프트 아이디어 뽑기

/describe는 이미지를 업로드하면 Midjourney가 그 이미지를 분석해 프롬프트 후보를 제안해 주는 기능이다.
공식 문서에 따르면 Describe는 업로드한 이미지를 분석해 창작에 참고할 수 있는 단어와 문구를 제안하는 도구이며, 같은 이미지를 반복해서 사용해도 매번 다른 제안을 줄 수 있다고 한다.
또한 이미지를 정확하게 복제하는 기능은 아니다.

예시로 아래와 같은 아이스 아메리카노 이미지를 넣으면 다음과 같이 묘사해 준다.

즉, /describe는 “이 이미지를 그대로 따라 만들어줘”가 아니라, 이 이미지가 어떤 스타일, 구도, 색감, 분위기로 설명될 수 있는지 알아보는 도구에 가깝다.

실제로 써보면 /describe는 정답 프롬프트를 뽑아주는 기능이라기보다, 내가 미처 떠올리지 못한 스타일 단어를 발견하는 데 더 유용하다는 걸 느낄 수 있다.

--oref: V7 기준 캐릭터와 사물 유지에 사용하는 Omni Reference

--oref는 Omni Reference를 사용할 때 쓰는 파라미터다.
공식 문서 기준으로 Omni Reference는 레퍼런스 이미지 속 캐릭터, 사물, 차량, 비인간 생명체 등을 새 이미지에 반영하는 기능이며, Midjourney V7과 호환된다.
Discord에서는 프롬프트 끝에 --oref와 이미지 URL을 붙여 사용할 수 있다.

아래와 같이 캐릭터를 하나 생성해주고, 이 캐릭터로 적용해보겠다.

위에서 생성한 캐릭터가 취하고 있을 행동이나 놓인 장소를 프롬프트를 입력해준 뒤, "--oref [위 캐릭터 이미지 링크]"를 추가하면, 아래와 같이 이미지가 생성된 것을 확인할 수 있다.

--oref는 모든 편집 기능과 자유롭게 조합되는 것은 아니다.
따라서 캐릭터나 사물을 먼저 유지할지, 이후 편집 기능을 우선할지 작업 순서를 정해두는 것이 좋다.

--ow: Omni Reference 영향력 조절

--oref와 함께 사용할 수 있는 값이 --ow다.
--ow는 레퍼런스 이미지의 세부 요소를 얼마나 강하게 반영할지 조절하는 값이다.

공식 문서 기준으로 --ow는 1부터 1000까지 설정할 수 있고, 기본값은 100이다.
너무 높은 값은 결과를 예측하기 어려울 수 있어 일반적으로 400 미만을 권장한다.

간단히 정리하면 다음과 같다.

--ow 10: 레퍼런스 영향이 약함
--ow 100: 기본값, 적당히 유지
--ow 300: 레퍼런스 반영이 강해짐
--ow 400 이상: 결과가 불안정해질 수 있음

캐릭터를 완전히 고정하고 싶다고 무조건 높은 값을 쓰는 것이 정답은 아니다.
실제로는 --ow를 올리는 것보다, 프롬프트 안에 캐릭터의 특징을 텍스트로 다시 적어주는 편이 더 안정적일 때가 많다.

--cref: 예전 캐릭터 레퍼런스 방식

--cref는 Character Reference를 사용할 때 쓰던 방식이다.
공식 문서에서는 Character Reference가 특정 캐릭터를 여러 이미지와 장면에서 재현하는 기능이라고 설명하고, 이 기능은 V6에서 사용하라고 안내한다.

사용법은 아래 예시와 같이 --cref를 사용하고 마지막에 버전을 V6로 지정해주면 된다.

--cref [이미지 링크] --v 6

최신 사용법 기준으로는 이렇게 이해하면 좋다.

예전 방식: --cref
V7 기준 권장 흐름: --oref
목적: 캐릭터나 대상의 외형을 여러 장면에서 유지

Character Reference든 Omni Reference든 완전히 동일한 얼굴이나 세부 장식을 보장하는 것은 아니다.
실제 인물 사진은 정확히 똑같이 나오지 않을 수 있고, 로고나 주근깨 같은 세부 요소도 완벽히 유지되지 않을 수 있다.
기존 V6 작업 흐름을 유지해야 하거나 Character Reference 방식이 더 익숙하다면 --cref를 사용할 수 있다.
다만 V7 기준으로는 --oref가 권장 흐름이므로, 새 작업을 시작한다면 먼저 --oref를 기준으로 테스트하는 편이 좋다.

--sref: 이미지의 스타일을 참고해서 생성하는 Style Reference

--sref는 Style Reference를 사용할 때 쓰는 파라미터다.

--oref가 캐릭터, 사물, 차량처럼 이미지 속 대상을 유지하는 데 가깝다면, --sref는 이미지의 색감, 질감, 조명, 그림체, 분위기 같은 시각적 스타일을 참고하는 기능이다.

사용법은 간단하다.

a neck tie --sref [이미지 링크]

이렇게 입력하면 넥타이라는 새 대상을 만들되, 뒤에 넣은 이미지 링크의 스타일을 참고해서 결과를 생성한다.

중요한 점은 참고 이미지의 사물 자체를 그대로 가져오는 것이 아니라, 그 이미지의 무늬, 색감, 질감, 분위기를 새 대상에 적용한다는 것이다.

실제로 작업해보면 --sref는 “이 캐릭터를 똑같이 유지해줘”보다 “이런 느낌으로 만들어줘”에 더 가깝다.
그래서 특정 인물을 고정하고 싶을 때는 --oref를 쓰고, 전체적인 화풍이나 감성을 맞추고 싶을 때는 --sref를 쓰는 편이 좋다.

--oref & --sref 함께 사용하기

--oref와 --sref는 동시에 사용할 수도 있다.
이렇게 하면 한쪽에서는 캐릭터나 사물의 형태를 참고하고, 다른 한쪽에서는 전체적인 스타일을 참고하게 만들 수 있다.

예를 들어 특정 캐릭터는 유지하되, 그림체는 다른 일러스트 스타일로 바꾸고 싶다면 다음처럼 작성할 수 있다.

a neat Korean high school boy sitting and looking out the window, side view, calm and thoughtful expression, short neat black hair, tidy school uniform, warm and bright cafe interior, soft sunlight, wooden furniture, peaceful slice-of-life mood, Korean webtoon style, clean line art, soft cel shading, delicate and emotional illustration --sref [스타일 이미지 링크] --oref [캐릭터 이미지 링크]

이 구조에서 역할은 다음과 같다.

a neat Korean high school boy sitting and looking out the window, side view, calm and thoughtful expression, short neat black hair, tidy school uniform, warm and bright cafe interior, soft sunlight, wooden furniture, peaceful slice-of-life mood, Korean webtoon style, clean line art, soft cel shading, delicate and emotional illustration
새로 만들 장면 설명

--sref [스타일 이미지 링크]
참고하고 싶은 색감, 화풍, 질감, 조명

--oref [캐릭터 이미지 링크]
유지하고 싶은 캐릭터나 대상

다만 두 레퍼런스가 서로 충돌하면 결과가 어색해질 수 있다.
예를 들어 --oref에는 사실적인 인물 사진을 넣고, --sref에는 강한 2D 만화 스타일을 넣으면 얼굴이나 의상이 예상과 다르게 바뀔 수 있다.

그래서 처음에는 프롬프트를 길게 쓰기보다 장면 설명을 짧게 두고, 결과를 본 뒤 필요한 단어를 조금씩 추가하는 편이 안정적이다.

Midjourney는 레퍼런스 이미지를 그대로 복사하는 도구라기보다, 참고 이미지를 바탕으로 새 이미지를 생성하는 도구에 가깝다.
이 점을 이해하고 사용하면 결과를 더 자연스럽게 조정할 수 있다.

Midjourney Animate: 생성한 이미지를 짧은 영상으로 만들기

Midjourney에서는 생성한 이미지를 바탕으로 짧은 애니메이션도 만들 수 있다.

이미지 생성이 정적인 장면을 만드는 과정이라면, Animate는 그 장면에 움직임을 추가하는 기능에 가깝다.

기본적으로 이미지를 선택한 뒤 Animate를 실행하면, Midjourney가 해당 이미지를 바탕으로 짧은 영상을 생성한다.
이때 사용할 수 있는 대표적인 선택지는 Auto, Loop, Low Motion, High Motion이다.

Auto

Auto는 별도의 동작 프롬프트를 자세히 입력하지 않아도, Midjourney가 이미지의 분위기를 보고 자동으로 움직임을 만들어주는 방식이다.

이미지 안에 이미 충분한 정보가 들어 있다면 Auto만으로도 자연스러운 결과가 나올 때가 있다.
예를 들어 바람이 부는 들판, 안개가 낀 숲, 조명이 흔들리는 거리처럼 장면 자체에 움직임을 떠올리기 쉬운 이미지라면 Auto가 꽤 잘 맞는다.

위 사진의 윗부분을 보면 명령어를 추가할 수 있는 공간이 있지만, 처음에는 명령어를 넣지 않고 돌리는 편이 더 자연스럽게 나오는 경우가 있다.
실제로 영상 생성에서는 움직임을 너무 많이 지시하면 장면이 과하게 흔들리거나 원하지 않는 카메라 움직임이 들어갈 수 있다.

Loop

Loop는 영상의 첫 동작과 끝 동작이 이어지도록 만들어, 반복 재생에 어울리는 애니메이션을 생성하는 기능이다.
즉, 시작 프레임과 끝 프레임을 같게 만들어 반복되는 영상을 생성하는 방식이다.

Loop는 다음과 같은 장면에 특히 잘 어울린다.

촛불이 은은하게 흔들리는 장면
물결이 천천히 움직이는 장면
안개가 흐르는 장면
네온사인이나 조명이 깜빡이는 장면
캐릭터가 거의 움직이지 않고 분위기만 살아 있는 장면

반대로 인물이 크게 걷거나, 손을 흔들거나, 빠르게 달리는 장면처럼 시작과 끝 자세가 크게 달라지는 동작은 Loop에서 어색해질 수 있다.

반복 재생용 영상은 움직임이 클수록 티가 나기 때문에, Loop는 화려한 액션보다 은은한 분위기 연출에 더 잘 맞는 편이다.

Low Motion & High Motion

Animate에는 움직임의 강도를 정하는 옵션도 있다.

Low Motion은 덜 역동적인 움직임을 만든다.
카메라 움직임이 적고, 인물이나 배경도 비교적 천천히 움직이는 편이다.
정적인 일러스트에 은은한 생동감을 주고 싶을 때 사용하기 좋다.

High Motion은 더 역동적인 움직임을 만든다.
카메라 이동이나 캐릭터 움직임이 커질 가능성이 높다.
액션 장면이나 빠른 장면 전환에는 도움이 될 수 있지만, 움직임이 커지는 만큼 형태가 무너지거나 부자연스러운 결과가 나올 위험도 있다.

즉, Low Motion은 정적인 장면, 느린 카메라 움직임, 섬세한 캐릭터 움직임에 가깝고, High Motion은 큰 카메라 움직임과 큰 캐릭터 움직임을 만들 가능성이 높지만 비현실적이거나 깨진 움직임이 생길 수 있다.

그래서 처음에는 Low Motion으로 테스트하고, 장면이 너무 정적일 때 High Motion을 시도하는 편이 안전하다.

Animate에서 프롬프트를 넣을 때 주의할 점

Animate에서도 프롬프트를 추가할 수 있다.
다만 이미지 생성 프롬프트처럼 장면을 길게 다시 설명하기보다, 움직임만 짧게 지시하는 편이 좋다.

예를 들어 이미 숲속 인물 이미지가 준비되어 있다면, Animate 프롬프트는 다음처럼 움직임 중심으로 쓰는 것이 좋다.

slow camera pan, subtle wind in the trees, gentle cloth movement, calm cinematic mood

반대로 아래처럼 너무 많은 동작을 한 번에 넣으면 결과가 불안정해질 수 있다.

the character runs, jumps, turns around, waves, camera zooms in, camera rotates, dramatic action, fast movement

영상 생성은 이미지보다 변수가 많기 때문에, 처음부터 복잡한 동작을 넣기보다 작은 움직임부터 테스트하는 편이 안정적이다.

특히 원하지 않는 줌인이 자주 생긴다면 다음처럼 카메라 움직임을 제한하는 표현을 넣어볼 수 있다.

fixed camera, no zoom, no camera push-in, subtle motion only

다만 이런 지시도 항상 완벽하게 적용되는 것은 아니다.
Animate는 아직 이미지 생성보다 통제가 어려운 편이라, 프롬프트를 많이 넣는 것보다 이미지 자체를 영상화하기 좋은 구도로 준비하는 것이 더 중요하다.

실제로 Animate를 써보면 프롬프트를 많이 넣었을 때보다, 이미지 자체가 명확하고 움직임이 떠오르는 장면일 때 결과가 더 자연스럽게 나오는 경우가 많다.

자주 쓰는 Midjourney 파라미터

Midjourney 파라미터는 프롬프트 끝에 붙이는 추가 설정값이다.
이미지 비율, 제외할 요소, 스타일 강도, 모델 버전처럼 결과에 영향을 주는 조건을 지정할 때 사용한다.

공식 문서 기준으로 파라미터는 프롬프트 설명이 끝난 뒤에 배치해야 한다.
또한 프롬프트와 대시(-) 사이에는 공백을 넣고, 파라미터 뒤에는 쉼표나 마침표 같은 문장부호를 붙이지 않는 것이 좋다.

--ar

이미지 비율을 지정할 때 사용한다.

--ar 1:1: 정사각형
--ar 16:9: 유튜브 썸네일, 와이드 이미지
--ar 9:16: 세로형 포스터, 숏폼, 모바일 이미지

--no

이미지에서 제외하고 싶은 요소를 지정할 때 쓴다.

--no text
--no people
--no car

위에서도 한 번 언급했지만, 프롬프트 본문에서 강하게 요구한 요소는 --no만으로 잘 사라지지 않을 수 있다.

--stylize / --s

Midjourney가 이미지를 얼마나 예술적으로 해석할지 조절하는 기능이다.

--s 50
--s 100
--s 500

공식 문서 기준 기본값은 100이며, 높을수록 예술적 해석이 강해지지만 프롬프트의 세부 조건에서 멀어질 수 있다고 한다.

--quality / --q

이미지 생성에 투입되는 GPU 시간과 디테일 수준에 영향을 다.
공식 문서에 따르면 V7 기준 기본값은 1이고, 2 또는 4를 사용할 수 있으며 더 많은 GPU 시간을 사용한다고 한다.

--version / --v

Midjourney 모델 버전을 지정할 때 사용한다.

공식 문서 기준 현재 기본 버전은 V7이다.
V8.1도 공개되어 있지만, 사용하려면 Global V7/V8 Personalization Profile을 unlock 해야 한다.
따라서 처음 사용하는 사람은 V7을 기준으로 화면과 기능을 이해하고, V8.1은 본인 계정의 설정에서 사용 가능 여부를 확인하는 편이 좋다.

또한 버전에 따라 업스케일, HD 이미지, Pan, Zoom Out 같은 기능의 동작 방식이 달라질 수 있으므로, 실제 화면이 글의 예시와 다르다면 공식 문서를 함께 확인하는 것이 안전하다.

--niji

애니메이션, 동양풍, 일러스트 계열 이미지를 만들 때 활용할 수 있는 모델이다.
공식 문서에서는 Niji 모델을 애니메이션과 동양 미학에 초점을 둔 모델로 설명한다.

레퍼런스 이미지 활용법

레퍼런스 이미지가 있다면 생성형 AI에게 레퍼런스 이미지를 넣고, 이미지 생성 모델에 넣을 프롬프트를 작성해 달라고 하면 도움이 된다.

원하는 분위기의 레퍼런스 이미지를 찾는다.
AI에게 이미지의 주제, 구도, 색감, 조명, 스타일을 분석하게 한다.
분석 내용을 Midjourney용 영어 프롬프트로 바꾼다.
Midjourney에서 생성한다.
결과를 보고 부족한 요소를 수정한다.

레퍼런스를 그대로 베끼기보다 “무엇이 좋아 보이는지”를 언어로 분해하는 과정이 중요하다.

저작권과 상업적 이용 주의사항

Midjourney로 만든 이미지는 상업적으로 활용할 수 있는 경우가 많지만, 무조건 안전하다고 보면 안 된다.

Midjourney 공식 약관은 사용자가 생성한 에셋을 법이 허용하는 최대 범위에서 소유한다고 설명한다.
하지만 제3자의 권리, 약관상 의무, 타인의 이미지 업스케일 여부, 회사 매출 조건 같은 예외가 있다.
특히 연 매출 100만 달러 초과 회사 또는 그 직원은 Pro 또는 Mega 플랜이 필요하다.

또한 저작권 관점에서는 플랫폼 약관과 법적 보호 가능성을 구분해야 한다.
미국 저작권청은 단순히 프롬프트만 입력해 생성된 결과물은 저작권 보호에 충분하지 않을 수 있고, 인간의 창작적 선택·배열·수정이 중요한 판단 요소라고 설명한다.

따라서 블로그, 광고, 상품, 이모티콘, 영상 썸네일 등에 사용할 때는 다음을 확인하는 것이 좋다.

타인의 얼굴을 무단으로 사용하지 않았는가?
특정 작가나 브랜드를 지나치게 직접 모방하지 않았는가?
상표, 로고, 캐릭터와 혼동될 요소가 있는가?
플랫폼 약관상 상업적 이용 조건을 충족하는가?
사람이 후편집하거나 창작적으로 구성한 부분이 있는가?

Midjourney를 써보면 좋은 프롬프트 하나를 외우는 것보다, 결과를 보고 어떤 방향으로 수정할지 판단하는 과정이 더 중요하다는 것을 알 수 있다.
원하는 이미지를 만들려면 프롬프트를 구조화하고, 4개의 후보 중 발전 가능성이 높은 이미지를 고른 뒤, Variation과 Remix, Vary Region으로 조금씩 다듬는 흐름을 이해하는 것이 중요하다.

처음에는 버튼이 많아 복잡해 보이지만, 실제 흐름은 단순하다.

생성 → 선택 → 변형 → 부분 수정 → 확장 → 업스케일 → 검토

이 흐름만 익히면 Midjourney는 단순한 이미지 생성 도구가 아니라, 블로그 썸네일, 영화 포스터, 영상 콘셉트 이미지, 짧은 애니메이션 제작까지 이어나갈 수 있는 도구가 된다.
처음부터 완성 이미지를 기대하기보다, 좋은 후보를 골라 조금씩 다듬는 방식으로 접근하면 훨씬 안정적인 결과를 얻을 수 있다.

영상이론 기초 정리: 미장센, 샷, 카메라 앵글, 매치컷 이해하기

보별 — Thu, 21 May 2026 20:12:19 +0900

영상을 만들 때 가장 먼저 필요한 것은 좋은 카메라나 화려한 편집 효과가 아니다.
더 중요한 것은 완성된 영상이 어떤 느낌이어야 하는지 머릿속에 먼저 그려져 있어야 한다는 점이다.

영상 제작자는 촬영 전에 이미 전체 분위기, 장면 흐름, 배경음악, 편집 리듬, 관객이 느낄 감정까지 어느 정도 상상하고 있어야 한다. 그래야 카메라 구도와 컷 편집이 단순한 기술이 아니라 의도를 가진 연출이 되기 때문이다.
실제로 영상을 만들다 보면 촬영이나 편집보다, 처음에 어떤 분위기를 만들지 정하는 과정에서 결과물의 방향이 거의 결정된다는 느낌을 받게 된다.

이번 글에서는 영상이론의 기본 개념인 미장센, 샷, 씬, 시퀀스, 카메라 앵글, 카메라 움직임, 매치컷을 쉽게 이해할 수 있도록 정리하였다.

영상을 만들기 전에 먼저 정해야 할 것

영상 제작을 시작하기 전에 세 가지를 먼저 정리해야 한다.

첫째, 어떤 느낌의 영상을 만들 것인가.
무섭고 긴장감 있는 영상인지, 편안하고 따뜻한 영상인지, 빠르고 역동적인 영상인지 먼저 정해야 한다.

둘째, 누가 이 영상을 볼 것인가.
영상의 시청 대상이 초보자를 위한 영상인지, 특정 장르의 팬을 위한 영상인지, 일반 대중을 위한 영인지에 따라 설명 방식과 편집 속도, 장면 구성을 다르게 해야 한다.

셋째, 레퍼런스 영상.
자신이 만들고 싶은 느낌과 비슷한 영상이 있다면 반드시 보는 것이 좋다.
레퍼런스를 본다는 것은 따라 한다는 뜻이 아니라, 좋은 영상이 어떤 방식으로 감정을 만드는지 분석하는 과정이다.
막연히 ‘이런 느낌’을 만들고 싶다고 생각하는 것보다, 비슷한 분위기의 영상을 직접 보고 색감, 구도, 편집 리듬을 확인하면 훨씬 구체적으로 방향을 잡을 수 있다.

본문에 사용된 예시 이미지는 영상이론 개념 설명을 위해 직접 AI로 생성한 이미지입니다.
특정 영화나 드라마의 실제 장면을 인용한 것이 아니라, 각 용어의 이해를 돕기 위한 시각 예시로 사용했습니다.

미장센

미장센(Mise-en-scene)은 프랑스어에서 온 말로, 원래는 “무대 위에 배치하다”라는 의미를 가지고 있다.
영화와 영상에서는 화면 안에 보이는 모든 시각적 요소를 통해 의미와 감정을 전달하는 연출을 뜻한다.

인물의 위치, 배경, 소품, 조명, 의상, 카메라 위치, 인물의 움직임 등이 모두 미장센에 포함된다.
카메라 배치와 움직임, 조명, 행동 배치 등 편집 이전에 구성되는 영화적 요소를 가리킨다.

쉽게 말해 미장센은 관객이 대사를 듣기 전에 화면만 보고도 분위기와 의미를 느끼게 만드는 장치이다.
특히 공포나 미스터리 장면에서는 인물이 아무 말도 하지 않아도, 조명과 공간 배치만으로 이미 관객이 긴장하게 되는 경우가 많다.

위 이미지에서 화면에는 인물이 등장하지 않지만, 긴 복도와 푸른 조명, 벽에 달린 촛대, 천장의 샹들리에, 안개, 열린 문이 함께 배치되어 있다.
관객은 이 요소들만으로도 이 공간이 차갑고 불길하며, 복도 끝에서 무언가 나타날 것 같은 긴장감을 느끼게 된다.
특히 복도의 선들이 중앙으로 모이면서 시선은 자연스럽게 안개 낀 끝부분으로 향하게 된다.
같은 복도라도 밝은 형광등 아래에서는 평범한 공간처럼 보이지만, 푸른 조명과 안개, 촛대가 더해지면 전혀 다른 장면처럼 느껴지게 된다.

이처럼 미장센은 화면 안의 조명, 색감, 소품, 공간 배치, 구도를 통해 대사 없이도 장면의 분위기와 의미를 전달하는 연출 방식이다.

샷, 씬, 시퀀스의 차이

영상이론을 공부할 때 가장 먼저 헷갈리는 개념이 샷, 씬, 시퀀스이다.

샷(Shot)은 카메라가 촬영을 시작한 순간부터 멈출 때까지의 연속된 영상을 가리킨다.
카메라가 굴러가기 시작해 멈출 때까지의 연속 프레임 전체를 의미한다.

씬(Scene)은 같은 장소, 시간, 상황을 중심으로 묶이는 장면 단위이다.
예를 들어 카페에서 두 사람이 대화하는 장면은 하나의 씬이 될 수 있다.

시퀀스(Sequence)는 하나의 작은 사건이 시작되고 끝나는 단위이다.
여러 개의 씬이 모여 하나의 시퀀스를 만들 수 있다.

정리하면 다음과 같다.
샷은 가장 작은 촬영 단위고, 씬은 샷들이 모여 만들어지는 장면 단위이며, 시퀀스는 하나의 사건 흐름을 가진 더 큰 단위이다.
처음에는 용어가 헷갈릴 수 있지만, 실제 영상을 보면서 ‘지금 컷이 바뀌었는가’, ‘장소나 상황이 바뀌었는가’, ‘하나의 사건이 끝났는가’를 기준으로 보면 훨씬 이해하기 쉽다.

샷 크기: 클로즈업, 미디움, 풀샷

샷 크기는 관객과 피사체 사이의 심리적 거리를 조절할 수 있다.

클로즈업(Close-up)은 사진 및 영상 분야에서 피사체(인물 또는 사물)의 얼굴이나 특정 부분을 화면에 크게 담아내는 촬영 기법이다.
주로 인물의 표정이나 감정을 강조할 때 사용한다.
슬픔, 분노, 두려움처럼 세밀한 감정 변화를 보여주기에 좋지만, 너무 자주 사용하면 강조 효과가 약해지기에, 정말 중요한 순간에 써야 힘이 생긴다.
그래서 클로즈업은 많이 쓸수록 강해지는 장면이 아니라, 아껴두었다가 감정이 가장 크게 드러나는 순간에 사용할 때 더 효과적이다.

미디움 샷(Medium Shot)은 보통 허리 위 정도를 보여주는 구도이다.
인물의 표정과 몸짓을 함께 보여줄 수 있어 대화 장면에서 자주 사용된다.
실제 대화 장면을 보면 너무 멀지도, 너무 가깝지도 않은 거리감 덕분에 관객이 인물의 말과 반응을 편하게 따라갈 수 있다.

풀샷(Full Shot)은 인물의 전신이나 객체 전체를 보여주는 구도이다.
인물이 어디에 있고, 주변 상황이 어떤지 설명하는 데 좋다.
여기서 더 넓은 배경이 들어가면 인물은 화면 속에서 작아지고, 쓸쓸함이나 고립감이 강조될 수 있다.
인물을 멀리 배치하면 관객은 표정보다 공간 전체를 먼저 보게 되고, 그만큼 인물이 처한 상황이나 외로움이 더 크게 느껴지게 된다.

샷 크기는 단순히 화면을 얼마나 가깝게 찍느냐의 문제가 아니라 관객이 인물을 얼마나 가깝게 느끼게 할 것인가의 문제라고 볼 수 있다.

인서트와 오버 더 숄더

인서트(Insert)는 특정 정보를 전달하기 위해 삽입하는 짧은 샷이다.
휴대폰 메시지, 열쇠, 계약서, 손의 떨림 등을 보여주는 장면이 인서트가 될 수 있다.
인서트는 관객에게 “이 정보가 중요하다”라고 알려주는 역할을 한다.
예를 들어 대화 중 잠깐 비친 열쇠나 휴대폰 메시지는 짧게 지나가도 관객에게 ‘나중에 다시 중요해질 정보’라는 인상을 남길 수 있다.

오버 더 숄더(OTS, Over the Shoulder)는 한 인물의 어깨너머로 다른 인물을 보여주는 구도이다.
주로 대화 장면에서 사용되며, 두 인물 사이의 친근감, 유대감, 또는 긴장감을 표현할 수 있다.
같은 대화라도 정면으로 번갈아 보여줄 때와 어깨너머로 보여줄 때는 인물 사이의 거리감이 다르게 느껴진다.

카메라 앵글이 감정을 만드는 방식

카메라 앵글은 피사체의 힘과 감정을 바꿔 보이게 할 수 있다.
같은 인물이라도 아래에서 올려다보면 위압적으로 보이고, 위에서 내려다보면 작고 불안해 보이기 때문에 앵글 하나만으로도 장면의 인상이 크게 달라다.

로우 앵글(Low Angle)은 아래에서 위로 올려다보는 구도이다.
피사체를 크고 강하게 보이게 하며, 권위나 위압감을 표현할 때 자주 사용된다.
특히 권력자나 위협적인 존재를 아래에서 올려다보게 만들면, 관객도 그 인물 앞에 서 있는 것처럼 압박감을 느끼게 된다.

하이 앵글(High Angle)은 위에서 아래로 내려다보는 구도이다.
피사체를 작고 약하게 보이게 할 수 있다.
인물이 넓은 공간 안에 작게 놓이면, 실제로는 아무 일이 일어나지 않아도 혼자 남겨진 듯한 느낌이 강해진다.

더치 앵글(Dutch Angle)은 카메라를 기울여 수평을 무너뜨린 구도이다.
수평선을 기울여 방향감각이 흔들리는 느낌을 만들기에, 불안감, 긴장감, 혼란스러운 심리를 표현할 때 효과적이다.
화면이 기울어져 있으면 관객은 무의식적으로 균형이 깨졌다고 느끼기 때문에, 장면 전체가 안정적이지 않다는 인상을 받게 된다.

주의해야 할 점은 앵글을 공식처럼 외우면 안 된다.
로우 앵글은 강함을 표현할 수 있지만, 상황에 따라 위협받는 인물이 거대한 공포를 올려다보는 장면에도 사용할 수 있다.
결국 앵글은 항상 장면의 의도와 함께 판단해야 한다.

카메라 움직임: Pan, Tilt, Tracking, Zoom, Dolly

카메라 움직임은 관객에게 정보를 보여주는 방식이다.

팬(Pan)은 카메라의 위치는 고정한 채 좌우로 회전시키는 움직임이다.
공간을 훑거나, 인물의 움직임을 따라가거나, 시간의 연결성을 보여줄 때 사용할 수 있다.
화면이 좌우로 천천히 이동하면 관객은 마치 직접 고개를 돌려 주변을 살펴보는 듯한 느낌을 받게 된다.

틸트(Tilt)는 카메라의 위치는 고정한 채 위아래로 회전시키는 움직임이다.
한 화면에 담기 어려운 높은 건물, 거대한 인물, 중요한 정보를 순서대로 보여줄 때 유용하다.
아래에서 위로 천천히 올라가는 틸트는 대상을 점점 크게 드러내기 때문에, 규모감이나 압도감을 만들 때 특히 잘 어울린다.

트래킹(Tracking)은 카메라가 피사체와 함께 움직이는 촬영기법이다.
인물의 이동을 따라가며 몰입감을 줄 수 있다.
카메라가 인물과 함께 움직이면 관객도 그 인물을 옆에서 따라가는 것처럼 느껴져 장면에 더 쉽게 몰입하게 된다.

줌(Zoom)은 카메라 위치는 고정한 채 렌즈의 초점거리를 바꾸는 방식이다.
카메라가 움직이지 않고 렌즈의 초점거리 변화로 가까워지거나 멀어지는 느낌을 주는 것이다.
줌에는 줌인과 줌아웃 2가지 기법이 있다.

줌인(Zoom-in)은 렌즈의 초점거리를 늘려 화면을 좁고 가깝게 당기는 기법이다.
관객의 시선을 특정 인물이나 사물에 집중시킬 때 사용된다.
인물의 미세한 표정 변화를 보여주거나 극적인 긴장감, 클라이맥스를 고조시키는 데 매우 효과적인 기법이다.
줌인 기법을 사용할 때에는 속도 조절이 생명이다.
천천히 줌인하면 관객의 시선이 한 대상에 점점 집중되는 느낌을 줄 수 있고, 빠르게 줌인하면 놀람이나 코믹한 느낌이 강해질 수 있다.

줌아웃 (Zoom-out)은 줌인과 반대로 렌즈를 조작해 화면 속 피사체를 축소시키며 시야를 넓히는 기법이다.
인물이 처한 상황이나 주변 배경을 전체적으로 보여주어 고립감, 허무함, 안도감 등의 감정을 전달할 수 있다.
영화의 오프닝이나 엔딩 시퀀스에서 여운을 남기기 위해 자주 사용된다.

달리(Dolly)는 카메라 자체가 피사체 쪽으로 다가가거나 멀어지는 움직임이다.
Zoom과 비슷해 보일 수 있지만, 실제 공간감은 다르게 느껴진다.
줌은 화면이 당겨지는 느낌에 가깝지만, 달리는 카메라가 실제로 공간 안으로 들어가는 느낌을 주기 때문에 훨씬 물리적인 몰입감이 생긴다.

줌과 달리 기법을 결합한 달리줌(Dolly Zoom)은 카메라 이동과 렌즈 줌을 동시에 사용해 공간이 뒤틀리는 듯한 효과를 만들 수 있다.
불안감, 충격, 깨달음, 공포를 표현하거나 정신없음을 표현하고 싶을 때 쓰인다.
인물은 제자리에 있는 것처럼 보이는데 배경만 비정상적으로 멀어지거나 가까워지는 느낌이 나기 때문에, 현실감이 순간적으로 흔들리는 효과를 주게 다.

매치컷

매치컷(Match Cut)은 서로 다른 두 장면을 유사한 요소로 이어 붙이는 편집 방식이다.
이전 장면의 시각적 또는 청각적 요소를 다음 장면으로 자연스럽게 이어주는 편집 기법이다.

매치컷은 크게 세 가지로 나눌 수 있다.

첫째, 그래픽 매치컷이다.
그래픽 매치컷은 모양이나 색, 구도가 비슷한 두 장면을 이어 붙이는 방식이다.
예를 들어 둥근 접시를 클로즈업한 장면에서 밤하늘의 보름달로 넘어가면, 두 대상은 전혀 다르지만 ‘둥근 형태’라는 공통점 때문에 자연스럽게 연결된다.

둘째, 액션 매치컷이다.
액션 매치컷은 인물의 움직임을 기준으로 두 장면을 연결하는 방식이다.
예를 들어 한 인물이 문을 여는 동작을 시작한 순간 컷이 바뀌고, 다음 장면에서 다른 공간의 문이 같은 동작으로 열리면 액션 매치컷이 된다.
이 방식은 장면이 바뀌어도 움직임이 이어지기 때문에 전환이 부드럽게 느껴진다.

셋째, 오디오 매치컷이다.
오디오 매치컷은 소리나 대사를 이용해 장면을 연결하는 방식이다.
예를 들어 전화벨 소리가 울리던 장면에서 컷이 바뀌고, 다음 장면에서 비슷한 리듬의 학교 종소리로 이어지면 관객은 소리의 연속성 때문에 장면 전환을 자연스럽게 받아들일 수 다.

매치컷의 장점은 단순히 장면을 자연스럽게 넘기는 데 있지 않고, 서로 다른 두 장면 사이에 의미를 만들 수 있다는 점이 중요하다고 볼 수 있다.
잘 만든 매치컷은 관객이 컷이 바뀌었다는 사실보다, 두 장면이 왜 연결되었는지를 먼저 생각하게 만든.

초심자가 영상 제작에서 자주 하는 실수

초심자는 보통 카메라 움직임이나 편집 효과를 먼저 생각하게 된다.
하지만 좋은 영상은 효과가 많은 영상이 아니라, 모든 연출에 이유가 있는 영상이다.
실제로 결과물을 다시 보면 화려한 효과보다 ‘왜 이 장면을 이렇게 보여줬는가’가 분명한 영상이 더 오래 기억에 남는다.

클로즈업을 넣는다면 왜 가까이 보여줘야 하는지 생각해야 한다.
로우 앵글을 쓴다면 왜 이 인물을 강하게 보여줘야 하는지 생각해야 한다.
Zoom을 쓴다면 왜 관객이 이 대상에 집중해야 하는지 생각해야 한다.
매치컷을 쓴다면 두 장면이 어떤 의미로 연결되는지 생각해야 한다.

결국 영상이론의 핵심은 용어 암기가 아니라, “이 장면에서 관객이 무엇을 보고, 무엇을 느껴야 하는가?”를 계속 묻는 것이다.

영상 제작은 촬영 버튼을 누르는 순간 시작되는 것이 아니라, 이미 그전에 머릿속에서 완성본이 어느 정도 만들어져 있어야 한다.

어떤 분위기를 만들 것인지, 누구에게 보여줄 것인지, 어떤 레퍼런스를 참고할 것인지, 어떤 샷과 앵글로 감정을 전달할 것인지가 먼저 정리되어야 한다.

미장센, 샷, 카메라 앵글, 카메라 움직임, 매치컷은 모두 영상 제작자의 언어이다.
이 언어를 이해하면 단순히 예쁜 영상을 만드는 단계를 넘어, 관객의 감정과 시선을 설계하는 영상을 만들 수 있게 된다.
결국 영상이론을 공부한다는 것은 용어를 많이 외우는 것보다, 장면을 볼 때 “왜 이렇게 찍었을까?”라고 질문하는 습관을 만드는 과정에 가깝다고 볼 수 있다.

언리얼 엔진 SaveGame과 GameInstance로 다회차(NG+) 구현하기 - 부활, 레벨 이동, 체크포인트 정리

보별 — Tue, 17 Mar 2026 15:10:10 +0900

UE5에서 다회차(NG+) 시스템을 구현할 때 가장 어려운 부분은, 서로 다른 성격의 데이터 흐름이 한 시스템 안에서 동시에 충돌 없이 돌아가도록 만드는 것이다.
특히 아래 요소들이 함께 들어가기 시작하면 구조가 빠르게 복잡해진다.

스테이지 이동
플레이어 사망 후 부활
체크포인트 저장 및 복원
세이브/로드
다회차 진입 시 일부 데이터 유지

겉보기에는 각각 독립적인 기능처럼 보이지만, 실제 구현에서는 모두 같은 데이터를 서로 다른 시점에 읽고 쓰는 문제로 연결된다.
예를 들어 사망 후 부활은 체크포인트 시점의 상태로 되돌려야 하고, 스테이지 이동은 현재 최신 상태를 다음 레벨로 이어가야 하며, 다회차는 월드 진행은 초기화하되 일부 데이터는 유지해야 한다.

이번 글에서는 이런 상황에서도 안정적으로 동작할 수 있도록, 다회차(NG+) 시스템의 설계 원칙과 역할 분리 방식을 정리해보려고 한다.

1. 다회차에서 무엇을 유지할지 먼저 결정하기

다회차 설계는 결국 새 게임을 시작하지만 일부 데이터는 이어받는 구조를 만드는 일이다.
그래서 가장 먼저 해야 할 일은, 어떤 데이터를 유지하고 어떤 데이터를 초기화할지 기준을 명확히 세우는 것이다.

많은 경우 문제는 저장 기술 자체가 아니라, 영속 데이터와 일시 데이터를 구분하지 않은 상태에서 모든 값을 한 번에 관리하려고 할 때 발생한다.

보통 유지하는 데이터

PlaythroughCount 같은 회차 정보
영구 업그레이드 데이터
무기 획득 여부나 해금 상태
일부 영속 플레이어 스탯
ex) 최대 체력, 공격 계수, 패시브 보너스

상황에 따라 유지 또는 초기화가 갈리는 데이터

Score(HP)
- 회차 유지형이면 유지
- 회차 리셋형이면 초기값으로 복귀
Ammo
- 유지하면 초반 난이도가 완화됨
- 초기화하면 자원 관리 요소가 살아남

보통 초기화하는 데이터

체크포인트 위치
퀘스트 진행도
스테이지 클리어 상태
현재 레벨에서만 의미 있는 임시 상태
ex) 문 열림, 1회성 트리거 발동, 특정 적 처치 여부

핵심은 단순히 “무엇을 저장할까?”가 아니라, 어떤 데이터가 영속 데이터인지 먼저 정의하고, 그 데이터만 안전하게 다음 회차로 이관하는 구조를 만드는 것이다.

2. 클래스별 역할 분리

다회차 시스템에서 꼬임을 줄이는 가장 좋은 방법은, 클래스의 수명에 맞춰 책임을 분리하는 것이다.

같은 데이터를 다루더라도, 어떤 객체는 레벨이 바뀌면 사라지고, 어떤 객체는 게임이 종료될 때까지 유지된다.
이 차이를 무시하면 스테이지 이동, 세이브/로드, 부활 처리에서 상태가 뒤섞이기 쉽다.

A. GameMode

GameMode는 현재 레벨에서만 유효한 런타임 규칙을 담당한다.

현재 점수 또는 체력 계산
플레이어 사망 처리
레벨 재시작
현재 스테이지 규칙 관리

중요한 점은 GameMode는 레벨이 바뀌면 새로 생성되고, 이전 레벨의 것은 사라진다는 것이다.
따라서 영속 데이터를 저장하는 장소로 사용하면 안 된다.

B. GameState

GameState는 복제와 UI 브리지 역할에 가깝다.
멀티플레이나 UI 갱신 구조를 고려할 때, 현재 플레이 상태를 외부에서 관찰할 수 있게 정리하는 계층으로 두는 것이 좋다.

Score
KillCount
Wave 정보
OnRep 기반 UI 갱신 데이터

C. GameInstance

GameInstance는 게임 전체 수명 동안 유지되는 메모리 캐시다.

게임 실행 시 생성
게임 종료 시 파괴
OpenLevel() 이후에도 유지

이 특징 때문에 다회차, 세이브/로드, 레벨 간 상태 이관의 중심이 되기 가장 적합하다.
즉, GameInstance는 영속 데이터의 메모리 캐시 역할을 맡는 것이 자연스럽다.

D. SaveGame

SaveGame은 디스크에 실제로 저장되는 최종 데이터다.
AsyncSaveGameToSlot()이나 LoadGameFromSlot()을 통해 파일로 기록되는 구조이며, 런타임의 직접적인 소스라기보다는 영속 상태의 저장 포맷에 가깝다.

E. PlayerController / Pawn(Character)

PlayerController는 입력, UI, 화면 전환과 같은 플레이어 인터페이스 측 역할을 담당한다.
반면 Pawn이나 Character는 레벨 로드, 부활, 리스폰 과정에서 교체될 수 있으므로, 다회차에서 유지해야 하는 데이터 저장소로 쓰기에는 적합하지 않다.

즉, 이 계층은 표시와 제어는 담당하되, 영속 데이터의 본체는 두지 않는 것이 안전하다.

3. 데이터 흐름 설계: 런타임 ↔ 메모리 캐시 ↔ 디스크 저장

다회차 시스템에서 안정성이 무너지는 가장 흔한 원인은, 현재 값이 어디서 왔는지와 언제 어떤 값으로 덮어써야 하는지가 불분명한 상태다.

그래서 데이터 흐름은 아래 세 층으로 나눠서 생각하는 것이 좋다.

3-1. 런타임 소스

현재 플레이 중 실제 값의 소스는 보통 GameMode 쪽이다.
싱글플레이나 리스닝 기반 구조라면 Score(HP) 같은 값은 GameMode를 기준으로 가져가는 경우가 많다.

즉, 지금 순간 실제 플레이에 반영되는 값은 런타임 소스가 기준이 된다.

3-2. 메모리 캐시

레벨이 바뀌면 GameMode는 사라진다.
따라서 다음 레벨에서도 이어가야 하는 값은 GameInstance에 항상 최신 상태로 유지해둬야 한다.

이 계층은 디스크 저장보다 훨씬 자주 갱신될 수 있다.
즉, GameMode에서 값이 바뀌면 GameInstance에 바로 반영하는 식으로 운용하는 것이 일반적이다.

3-3. 디스크 저장

디스크 저장은 매 프레임 또는 매 값 변경마다 수행하는 것이 아니라, 명확한 이벤트 시점에만 실행하는 구조가 좋다.

대표적인 저장 시점은 아래와 같다.

체크포인트 진입
수동 저장 버튼
엔딩 저장
주요 분기 완료 시점

정리하면 다음과 같다.

런타임 소스: 현재 실제 플레이 값
메모리 캐시: 레벨 이동을 위한 중간 보관
디스크 저장: 이벤트 기반 영속 저장

즉, 메모리 캐시는 자주 갱신해도 되지만, 디스크 저장은 필요한 순간에만 수행하는 것이 좋다.

4. 사망/부활, 스테이지 이동, 다회차 진입 시 주의점

다회차 시스템에서 가장 많이 꼬이는 부분은 아래 세 이벤트가 서로 겹치는 경우다.

사망 후 부활
다음 스테이지 이동
다회차 진입

겉으로 보면 모두 “레벨이 다시 열리거나 바뀌는 상황”처럼 보이지만, 실제로는 각각 데이터를 복원하는 기준과 목적이 전혀 다르다.

4-1. 사망 후 부활

사망 후 부활은 보통 체크포인트 시점으로 되돌아가는 흐름이다.
즉, 현재 죽기 직전 상태를 유지하는 것이 아니라, 체크포인트 시점의 Score, Ammo, 위치 등으로 복원해야 한다.

이때 가장 중요한 것은, 부활 복원 로직이 죽음으로 인한 재시작일 때만 실행되도록 분리하는 것이다.

예를 들어 bIsDeathRestart 같은 플래그를 두고, 같은 레벨이 다시 열렸더라도 무조건 복원하지 않도록 제어하는 편이 안전하다.

4-2. 다음 스테이지 이동

스테이지 이동은 체크포인트 복원과 다르다.
이 경우는 과거 상태로 되돌리는 것이 아니라, 현재 최신 상태를 그대로 이어가는 것이 기본 원칙이다.

그래서 스테이지 이동 중에 잘못된 복원 로직이 실행되면 아래 같은 문제가 생길 수 있다.

이전 체크포인트 값으로 되돌아감
현재 최신 탄약이 아닌 예전 탄약으로 복구됨
다회차 시작과 충돌해 시작 상태가 꼬임

즉, 스테이지 이동에서는 기본적으로 현재 최신 캐시를 이어받고, 과거 상태 복원은 하지 않는다는 기준이 필요하다.

4-3. 다회차 진입

다회차는 월드 진행은 처음으로 리셋하되, 일부 데이터는 유지하는 구조다.
즉, 체크포인트 복원도 아니고, 단순 레벨 이동도 아닌 별도의 초기화 이벤트로 생각해야 한다.

이때 흔히 사용하는 방식 중 하나가, 첫 스테이지 진입용 특수 체크포인트 데이터를 만드는 것이다.

예를 들어 아래처럼 처리할 수 있다.

CurrentLevelName = 첫 스테이지 이름
Location = FVector::ZeroVector
Rotation = FRotator::ZeroRotator

이렇게 하면 ZeroVector를 PlayerStart에서 스폰해야 한다는 신호로 사용할 수 있다.
즉, 다회차는 체크포인트 데이터를 활용하되, 일반 체크포인트와는 다른 의미를 가진 특수 마커를 두는 방식으로 분리할 수 있다.

5. 구현에 필요한 핵심 코드 템플릿

아래 코드는 실제 프로젝트 전체 구현이 아니라, 다회차 구조를 설명하는 데 필요한 핵심 뼈대만 정리한 것이다.
프로젝트에 따라 구조체명, 변수명, 복구 기준은 얼마든지 달라질 수 있다.

5-1. GameInstance: 영속 데이터 캐시 + 다회차 카운트 + 체크포인트 저장

GameInstance는 다회차 시스템의 중심이 되는 메모리 캐시다.
이번 구조에서는 아래 데이터를 관리한다.

현재 저장된 점수
체크포인트 데이터
체크포인트 당시 점수
탄약 데이터
회차 수
사망 재시작 여부

GameModeBase.h

1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29
30
31
32
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
48
49
50
51
52
53
54
55
56
57
58
59
60

UCLASS()
class UMyGameGameInstance : public UGameInstance
{
    GENERATED_BODY()
 
public:
    // 점수(HP)
    void SetSavedScore(int32 InScore);
    int32 GetSavedScore() const { return SavedScore; }
 
    // 체크포인트 캐시
    UFUNCTION(BlueprintCallable, Category="SaveSystem")
    void SaveCheckpoint(const FPlayerCheckpointData& NewData,
                        int32 CurrentScore,
                        const TMap<EWeaponType, int32>& AmmoMap,
                        const FString& SlotName);
 
    UFUNCTION(BlueprintCallable, Category="SaveSystem")
    bool LoadCheckpointFromMemory(FPlayerCheckpointData& OutData, bool bRestoreScore = true);
 
    UFUNCTION(BlueprintPure, Category="SaveSystem")
    bool PeekCheckpointData(FPlayerCheckpointData& OutData) const;
 
    UFUNCTION(BlueprintPure, Category="SaveSystem")
    bool HasValidCheckpoint() const { return bHasValidCheckpoint; }
 
    // 탄약 데이터
    UFUNCTION(BlueprintPure, Category="SaveSystem")
    TMap<EWeaponType, int32> GetCachedAmmoMap() const { return CachedAmmoMap; }
 
    // NG+
    UFUNCTION(BlueprintPure, Category="NG+")
    int32 GetPlaythroughCount() const { return CurrentPlaythroughCount; }
 
    UFUNCTION(BlueprintCallable, Category="NG+")
    void SaveForNewGamePlus(const FString& SelectedSlotName, FName FirstStageName);
 
    // 사망 재시작 판별(복원 로직 제한)
    UPROPERTY(Transient)
    bool bIsDeathRestart = false;
 
public:
    const FString SLOT_AUTO = TEXT("SaveSlot_Auto");
    const FString SLOT_1    = TEXT("SaveSlot_1");
    const FString SLOT_2    = TEXT("SaveSlot_2");
    const FString SLOT_3    = TEXT("SaveSlot_3");
 
private:
    int32 SavedScore = 0;
 
    // 체크포인트 캐시
    FPlayerCheckpointData CurrentCheckpointData;
    int32 CachedCheckpointScore = 0;
    TMap<EWeaponType, int32> CachedAmmoMap;
    bool bHasValidCheckpoint = false;
 
    // 회차
    int32 CurrentPlaythroughCount = 1;
    bool bHasIncrementedNGPlus = false;
};
Colored by Color Scripter

cs

GameModeBase.cpp

1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29
30
31
32
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
48
49
50
51
52
53
54
55
56
57
58
59
60
61
62
63
64
65
66
67
68

void UMyGameGameInstance::SetSavedScore(int32 InScore)
{
    SavedScore = InScore; // 메모리 캐시 갱신
}
 
void UMyGameGameInstance::SaveCheckpoint(const FPlayerCheckpointData& NewData,
                                         int32 CurrentScore,
                                         const TMap<EWeaponType, int32>& AmmoMap,
                                         const FString& SlotName)
{
    // 메모리 캐시 갱신
    CurrentCheckpointData  = NewData;
    CachedCheckpointScore  = CurrentScore;
    CachedAmmoMap          = AmmoMap;
    bHasValidCheckpoint    = true;
 
    SavedScore = CurrentScore; // 최신 점수도 맞춰둠
 
    // (디스크 저장은 AsyncSaveGameToSlot로 별도 수행)
}
 
bool UMyGameGameInstance::LoadCheckpointFromMemory(FPlayerCheckpointData& OutData, bool bRestoreScore)
{
    if (!bHasValidCheckpoint) return false;
 
    OutData = CurrentCheckpointData;
 
    // 부활일 때만 체크포인트 점수로 되돌림
    if (bRestoreScore)
    {
        SavedScore = CachedCheckpointScore;
    }
    return true;
}
 
bool UMyGameGameInstance::PeekCheckpointData(FPlayerCheckpointData& OutData) const
{
    if (!bHasValidCheckpoint) return false;
    OutData = CurrentCheckpointData;
    return true;
}
 
void UMyGameGameInstance::SaveForNewGamePlus(const FString& SelectedSlotName, FName FirstStageName)
{
    // 회차 증가 1회만
    if (!bHasIncrementedNGPlus)
    {
        CurrentPlaythroughCount++;
        bHasIncrementedNGPlus = true;
    }
 
    // NG+ 시작용 체크포인트(첫 스테이지 + PlayerStart 스폰 신호)
    FPlayerCheckpointData NGPlusData;
    NGPlusData.CurrentLevelName = FirstStageName;
    NGPlusData.Location = FVector::ZeroVector;
    NGPlusData.Rotation = FRotator::ZeroRotator;
 
    // 최신 캐시 값으로 저장
    const int32 LiveScore = SavedScore;
    const TMap<EWeaponType, int32> LiveAmmo = CachedAmmoMap;
 
    SaveCheckpoint(NGPlusData, LiveScore, LiveAmmo, SLOT_AUTO);
 
    if (!SelectedSlotName.IsEmpty())
    {
        SaveCheckpoint(NGPlusData, LiveScore, LiveAmmo, SelectedSlotName);
    }
}
Colored by Color Scripter

cs

여기서 핵심은 조회와 복원을 분리한 것이다.

PeekCheckpointData()는 현재 체크포인트를 확인만 한다.
LoadCheckpointFromMemory()는 필요할 때 실제 복원을 수행한다.

이 구분이 있어야 스테이지 이동, 사망 부활, NG+ 진입이 서로 섞이지 않는다.

5-2. GameMode: 런타임 Score 관리 + 레벨 시작 시 GameInstance에서 로드

GameMode는 런타임 점수의 실제 소스 역할을 맡는다.
레벨 시작 시 GameInstance에서 값을 받아오고, 진행 중 점수가 바뀌면 다시 GameInstance에 동기화한다.

GameModeBase.cpp

1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29
30
31
32
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
48

void AMyGameGameModeBase::StartPlay()
{
    Super::StartPlay();
 
    // 레벨 시작 시 GI의 SavedScore를 기준으로 Score 결정
    LoadOrInitScoreFromGameInstance();
 
    // GameState로 복제/브로드캐스트
    SyncToGameState();
}
 
void AMyGameGameModeBase::LoadOrInitScoreFromGameInstance()
{
    UMyGameGameInstance* GI = GetGameInstance<UMyGameGameInstance>();
    if (!GI)
    {
        Score = InitialScore;
        return;
    }
 
    const int32 Saved = GI->GetSavedScore();
    if (Saved <= 0)
    {
        Score = InitialScore;
        GI->SetSavedScore(Score);
        return;
    }
 
    Score = Saved;
}
 
// Score 변경 시마다 GI에 메모리 동기화
void AMyGameGameModeBase::ModifyScore(int32 Delta)
{
    Score = FMath::Max(Score + Delta, 0);
 
    if (UMyGameGameInstance* GI = GetGameInstance<UMyGameGameInstance>())
    {
        GI->SetSavedScore(Score);
    }
 
    SyncToGameState();
 
    if (Score == 0)
    {
        HandlePlayerDeath();
    }
}
Colored by Color Scripter

cs

여기서 중요한 점은, 현재 플레이 중 값의 소스는 GameMode지만, 레벨 이동을 대비한 최신 사본은 항상 GameInstance에도 맞춰둔다는 것이다.

5-3. Checkpoint Actor: 체크포인트 진입 시 SaveCheckpoint 호출

체크포인트는 현재 플레이 상태를 메모리 캐시와 디스크 저장 대상으로 올려두는 지점이다.
즉, 플레이어가 체크포인트에 닿았을 때 위치, 회전, 점수, 탄약을 함께 저장한다.

Checkpoint.cpp

1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29

void AMyGameCheckpoint::OnOverlapBegin(...)
{
    AMyGamePlayer* Player = Cast<AMyGamePlayer>(OtherActor);
    if (!Player) return;
 
    UMyGameGameInstance* GI = Cast<UMyGameGameInstance>(GetGameInstance());
    if (!GI) return;
 
    FPlayerCheckpointData NewData;
    NewData.Location = Player->GetActorLocation();
    NewData.Rotation = Player->GetActorRotation();
    NewData.CurrentLevelName = FName(*UGameplayStatics::GetCurrentLevelName(this));
 
    // Score(HP)는 GM에서 가져오는 것을 권장(런타임 소스)
    int32 RealTimeScore = 0;
    if (AMyGameGameModeBase* GM = Cast<AMyGameGameModeBase>(GetWorld()->GetAuthGameMode()))
    {
        RealTimeScore = GM->GetScore();
    }
    else
    {
        RealTimeScore = GI->GetSavedScore();
    }
 
    TMap<EWeaponType, int32> CurrentAmmo;
    CurrentAmmo = Player->GunInfoComp->GetAllWeaponAmmoStates();
 
    GI->SaveCheckpoint(NewData, RealTimeScore, CurrentAmmo, GI->SLOT_AUTO);
}
Colored by Color Scripter

cs

체크포인트 시점에는 현재 런타임 기준의 진짜 값을 저장하는 것이 중요하다.
그래서 Score는 가능하면 GameMode에서 가져오는 편이 안전하다.

5-4. Player: 체크포인트 복원과 다회차 시작 처리

플레이어 복원 로직은 흔히 BeginPlay()에 넣지만, 이때 가장 중요한 것은 조회와 실제 복원 처리를 분리하는 것이다.

Player.cpp

1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29
30
31
32

void AMyGamePlayer::RestoreStateFromCheckpoint()
{
    UMyGameGameInstance* GI = Cast<UMyGameGameInstance>(GetGameInstance());
    if (!GI || !GI->HasValidCheckpoint()) return;
 
    FPlayerCheckpointData Data;
    if (!GI->PeekCheckpointData(Data)) return; // 조회만
 
    const FString CurrentLevel = UGameplayStatics::GetCurrentLevelName(this);
    const FString SavedLevel   = Data.CurrentLevelName.ToString();
 
    // 다른 레벨이면 복원 금지(스테이지 이동 중)
    if (CurrentLevel != SavedLevel)
        return;
 
    // 사망 부활일 때만 Score 복원
    if (GI->bIsDeathRestart)
    {
        FPlayerCheckpointData Dummy;
        GI->LoadCheckpointFromMemory(Dummy, true);
    }
 
    // NG+ 시작(ZeroVector)이면 PlayerStart 스폰을 유지
    if (!Data.Location.IsNearlyZero())
    {
        SetActorLocation(Data.Location, false, nullptr, ETeleportType::TeleportPhysics);
        SetActorRotation(Data.Rotation, ETeleportType::TeleportPhysics);
    }
 
    // 탄약 복원은 GI 캐시 기준
    GunInfoComp->RestoreAllWeaponAmmoStates(GI->GetCachedAmmoMap());
}
Colored by Color Scripter

cs

이 구조의 핵심은 아래와 같다.

같은 레벨인지 먼저 확인
사망 부활일 때만 체크포인트 점수 복원
ZeroVector이면 다회차 시작으로 보고 PlayerStart 스폰 유지
탄약은 GameInstance 캐시 기준으로 복원

즉, 무조건 복원하지 않고, 현재 이벤트가 무엇인지 먼저 판별한 뒤 필요한 복원만 수행하는 구조다.

5-5. PlayerController: 다회차 또는 스테이지 시작 시 UI 제어

다회차에서는 단순 데이터만 유지되는 것이 아니라,
상황에 따라 UI 흐름도 달라질 수 있다.

예를 들어 다회차 시작 시에는 업그레이드 선택 UI를 띄우고 싶지만, 사망 후 부활일 때는 같은 UI를 보여주지 않길 원할 수 있다.

PlayerController.cpp

1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29
30
31
32
33
34
35

void AMyGamePlayerController::OnPossess(APawn* InPawn)
{
    Super::OnPossess(InPawn);
 
    UMyGameGameInstance* GI = Cast<UMyGameGameInstance>(GetGameInstance());
    if (!GI) return;
 
    bool bShouldShowUpgradeMenu = true;
 
    // 사망 부활이면 숨김
    if (GI->bIsDeathRestart)
    {
        bShouldShowUpgradeMenu = false;
    }
    else if (GI->HasValidCheckpoint())
    {
        FPlayerCheckpointData Data;
        if (GI->PeekCheckpointData(Data))
        {
            // 같은 레벨인데 Location이 ZeroVector면 NG+ 시작 → 표시
            const FString Cur = UGameplayStatics::GetCurrentLevelName(this);
            const bool bSameLevel = (Cur == Data.CurrentLevelName.ToString());
            const bool bIsNGPlusStart = Data.Location.IsNearlyZero();
            if (bSameLevel)
            {
                bShouldShowUpgradeMenu = bIsNGPlusStart;
            }
        }
    }
 
    if (bShouldShowUpgradeMenu)
    {
        // UpgradeMgr->ShowUpgradeMenu();
    }
}
Colored by Color Scripter

cs

즉, UI도 현재 이벤트의 의미를 정확히 이해한 뒤 동작해야 한다.
같은 레벨 시작처럼 보여도, 그게 사망 재시작인지, 일반 진입인지, 다회차 시작인지에 따라 처리 방식이 달라질 수 있다.

6. 체크리스트: 실전 검증 포인트

다회차 시스템은 기능을 추가하는 것보다, 서로 다른 이벤트가 겹쳤을 때도 데이터가 일관되게 유지되는지 검증하는 것이 더 중요하다.

스테이지 이동 관련

다음 레벨 StartPlay()에서 GI SavedScore가 이전 레벨 최종값과 동일한가?
스테이지 이동 중 복원 로직이 잘못 실행되지 않는가?

체크포인트/부활 관련

체크포인트 저장 시점에 Score, Ammo가 올바르게 캐시 되는가?
사망 후 재시작 시 bIsDeathRestart = true가 정확히 설정되는가?
부활 시 LoadCheckpointFromMemory(..., true)가 한 번만 실행되는가?

다회차 관련

엔딩 저장 시 PlaythroughCount가 정확히 1 증가하는가?
다회차 시작 체크포인트가 ZeroVector 같은 특수 스폰 신호를 포함하는가?
영속 데이터는 유지되고, 리셋 대상은 정확히 초기화되는가?

이 체크리스트는 단순 디버깅용이 아니라, 구조가 설계 의도대로 동작하는지 검증하는 기준으로 보는 것이 좋다.

다회차(NG+) 시스템은 기능 수가 많아 보여서 복잡해 보이지만, 실제로 핵심은 기능 자체보다 데이터 수명과 역할 분리를 제대로 설계하는 데 있다.

정리하면 이번 구조의 기준은 아래와 같다.

런타임 소스: GameMode
레벨 이동을 위한 메모리 캐시: GameInstance
디스크 저장: SaveGame

그리고 체크포인트, 부활, 스테이지 이동, NG+는 모두 레벨 전환과 관련되어 보이더라도 실제로는 서로 다른 의미를 가진 이벤트이므로, 조회와 복원을 분리하고, 이벤트 플래그로 제어하는 구조를 잡는 것이 안정성을 크게 높여준다.

즉, 다회차 구현에서 중요한 것은 무엇을 저장하느냐보다, 어떤 데이터가 언제 누구에 의해 갱신되고 복원되어야 하는지를 분리하는 것이다.

고베 Fate 성지순례 후기 | Fate/stay night 무대탐방 가이드

보별 — Fri, 27 Feb 2026 00:11:37 +0900

지난번 도쿄 쪽 Fate 무대탐방 후기에 이어, 이번에는 고베 쪽 Fate 시리즈 무대탐방 후기를 정리해보려고 한다.

15년 넘게 Fate 시리즈를 좋아해 온 팬으로서 직접 다녀온 뒤 적는 글이며, 이번 글 역시 고베와 오사카 근교에서 Fate 시리즈 무대탐방을 하고 싶은 분들께 작은 도움이 되었으면 하는 마음으로 쓴다.

이번 일정은 실제로 돌아보면 오사카보다 고베를 거점으로 잡는 편이 훨씬 편하다.
주요 목적지들이 대부분 고베를 중심으로 이동하기 좋은 위치에 있기 때문이다.

개인적으로는 고베산노미야역 근처 숙소를 추천한다.
주변에 비즈니스호텔이 많아서 가격이 비교적 저렴한 편이고, 교통 동선도 깔끔하다.
Fate 무대탐방뿐 아니라 일반 여행 동선까지 생각하면 꽤 괜찮은 선택지였다.

간사이 공항에서 고베로 이동하는 방법

간사이 국제공항에서 고베까지 가는 방법은 크게 세 가지 정도가 있다.

지하철과 전철을 갈아타고 이동하기
공항 리무진 버스를 타고 이동하기
베이 셔틀을 이용해 이동하기

전철 환승으로 이동하는 방법도 가능하긴 하지만, 이동 시간이 길고 체감상 그렇게 편하지는 않다.
시간이 많이 걸리는 것에 비해 비용 메리트가 아주 크지도 않아서, 개인적으로는 추천도가 낮다.

반면 공항 리무진 버스는 한 번에 이동할 수 있다는 점에서 꽤 편하다.
짐이 많거나 도착 당일 피곤한 상태라면 이쪽이 무난하다.

가장 눈길이 갔던 건 베이 셔틀이었다.
간사이 공항에서 고베 공항까지 바다를 가로질러 이동하는 방식이라, 시간도 짧고 여행 시작부터 분위기가 꽤 좋을 것 같았다.
무엇보다 외국인 관광객 대상으로 500엔으로 탈 수 있는 기회를 제공하기에, 탈 수만 있다면 타지 않을 이유가 없다.

다만 날씨나 바람의 영향을 크게 받는 편이라 무조건 이용할 수 있는 방법은 아니다.
나 역시 입국 당일 바람이 너무 강해서 결항되는 바람에 타지 못했다.

그래서 결론적으로는, 베이 셔틀이 가능하면 가장 매력적이고, 운항 여부가 애매하거나 짐이 많다면 리무진 버스가 가장 무난하다고 느꼈다.

에미야 저택 외관 - 아카시

아카시는 에미야 저택 외관을 중심으로, Fate 본편의 배경을 떠올리게 하는 장소들을 일부 볼 수 있는 곳이다.
여기에 더해 시로의 부활동과 연결되는 궁도장 포인트도 함께 확인할 수 있다.

에미야 저택 외관을 보기 위해서는 JR선을 타고 아카시역으로 이동해야 한다.

여기서 헷갈리기 쉬운 부분이 하나 있는데, 산노미야 부근에는 이름이 비슷한 역들이 있어서 반드시 JR선이 다니는 산노미야역으로 들어가야 한다는 점이다.
특히 고베산노미야역과 산노미야역을 혼동하기 쉽다.
잘못 들어가더라도 역무원에게 이야기하면 안내를 받을 수 있으니 너무 걱정할 필요는 없지만, 처음 가는 입장에서는 미리 알고 가는 편이 훨씬 편하다. ~~경험담~~

산노미야역에서 JR선을 타고 이동하면 아카시역에 도착할 수 있다.
일반선으로는 약 25분 정도 걸리며, 급행을 타면 약 15분 정도 걸린다.

아카시역 북쪽 출구로 나오면 앞쪽에 작은 호수가 보이는데, 그 호수를 따라 서쪽 방향으로 천천히 걸어가면 목적지에 닿는다.

직접 가서 본 에미야 저택 외관은 정말 인상적이었다.
20년이 넘은 작품의 배경이라고 믿기 어려울 정도로 외관의 분위기가 잘 유지되어 있었기 때문이다.
Fate 팬이라면 멀리서 건물 윤곽만 보여도 바로 반가운 느낌이 든다.

입구 쪽에는 아래와 같이 안내 표지판도 세워져 있었는데, 꽤 오래된 역사적 건물이라는 설명이 적혀 있었다.
아마 시에서 관리하는 공간이라 그런지 내부 출입은 어렵게 막혀 있는 느낌이었고, 그 부분은 조금 아쉬웠다.

그래도 에미야 저택 외관 자체를 실제로 보는 경험만으로도 충분히 만족감이 큰 장소였다.

궁도장 - 아카시 공원

아카시역 근처에서는 시로의 부활동 배경으로 떠오르는 궁도장도 함께 볼 수 있다.
에미야 저택 외관을 보러 왔다면 궁도장까지 같이 묶어서 보는 코스로 추천하고 싶다.

궁도장은 아카시 공원 최북단 쪽에 있다.

아카시역 북쪽 출구로 나왔을 때 보이는 호수 뒤편이 바로 공원이라, 위치 자체는 어렵지 않게 찾을 수 있다.

아래 사진과 같이 공원 안을 통과해서 걸어가도 되고, 바깥 골목을 따라 이동해도 된다.

궁도장까지는 약 10~15분 정도 걸어가면 도착하는데, 막상 걸어가 보면 완전히 평탄한 길은 아니고 약간의 언덕 느낌이 있어서, 거리 자체보다 체감 피로가 조금 있는 편이다.

위 사진의 경로대로 가면 거의 다 도착했을 때, 아래와 같이 궁도장의 뒤편을 볼 수 있다.

그리고 좀 더 길을 따라 걸어가면 아래와 같이 궁도장의 입구를 볼 수 있다.

궁도장 입구 오른쪽에서 사진을 찍으면 본편과 애니메이션에서 나왔던 장면과 비슷한 구도를 잡기 좋다.

이곳에서 특히 좋았던 건, 담장이 낮아서 궁도장 내부 분위기까지 어느 정도 볼 수 있었다는 점이다.
덕분에 헤븐즈필 극장판 도입부에서 시로가 활을 쏘던 공간과 닮은 느낌도 확인할 수 있었다.

전체적으로 보면 이 궁도장도 Fate 팬 입장에서는 생각보다 구현감이 상당히 잘 살아 있는 장소라고 느꼈다.

신토대교 - 고베

본편에서 시로가 사는 후유키시에서 신토 번화가로 넘어갈 때 거쳐야 하는 대교가 나오는데, 그 이미지와 꽤 닮은 장소가 바로 고베대교다.

고베대교는 고베 쪽에 있기 때문에 접근도 어렵지 않다.
산노미야에서 포트라이너선을 타고 이동하면 되며, 포트터미널역에서 내리면 된다.

산노미야역에는 JR선 말고도 고베공항으로 갈 때 타는 포트라이너선이 있는데, 이 포트라이너선을 타고 이동하면 된다.
포트라이너선을 타고 2 정거장만 이동하면 포트터미널역에 도착할 수 있다.

역 밖으로 나오면 바로 앞에 차량이 통행하는 큰 대교가 보이는데, 이 다리가 바로 고베대교다.
근처 안내소 쪽 테라스에서도 대교 아래와 같은 전경을 볼 수 있지만, 작품 속 장면과 비슷한 구도를 원한다면 근처 공원 쪽까지 직접 걸어가는 편이 훨씬 좋다.

안내소를 지나 앞으로 더 걸어가면 다리를 따라 이동할 수 있는 인도가 나온다.
이 길을 따라 천천히 이동하면 되는데, 바다 바로 옆에 위치한 다리라 바람이 정말 강하다.

특히 겨울에는 체감 추위가 생각보다 훨씬 세게 느껴지기 때문에, 겨울 방문이라면 따뜻하게 입고 가는 걸 추천한다.

걷다 보면 아래쪽으로 내려갈 수 있는 계단이 보이고, 그쪽으로 내려가 공원에 도착할 수 있다.
공원에서 대교 방향을 바라보면 본편과 꽤 닮은 구도로 사진을 남길 수 있다.

이 장소도 역시 오랜 시간이 지난 작품 배경임에도 현재 모습과 크게 다르지 않다는 점이 무척 인상적이었다.

포트터미널역으로 돌아가는 길에, 걸어왔던 방향을 보고 찍으면 본편에서 나왔던 장면과 비슷하게 하나 더 찍을 수 있다.

세이버 루트에서, 시로가 세이버와 데이트 도중 다투고 세이버가 밤까지 홀러 서있던 장소이다.

토오사카 저택 - 키타노이진칸

토오사카 저택은 고베 근처에 있는 키타노이진칸 거리에 있는 풍향계의 집에서 볼 수 있다.

산노미야역에서 걸어갈 수 있는 거리이고, 천천히 이동하면 약 20분 정도 걸린다.

이쪽도 언덕 지형이긴 하지만, 아카시의 궁도장처럼 부담스럽게 힘든 느낌은 아니어서 충분히 걸어 올라갈 만하다.
버스를 타고도 갈 수 있는데, 버스를 타고 가나 걸어가나 걸리는 시간 차이는 3분 내외로 거의 비슷해서, 자기 체력에 따라 선택해서 가면 될 것 같다.

키타노이진칸 거리는 원래도 유명한 관광지라서, Fate와 상관없이 와도 만족도가 높을 만한 곳이다.
서양식 목조저택들이 모여 있는 거리 자체의 분위기가 좋아서, 무대탐방을 하면서도 관광지 산책을 하는 기분이 든다.

올라가는 길에는 옛 목조저택 분위기의 스타벅스도 보이는데, 여기는 한 번쯤 들러볼 만하다.

외관도 예쁘지만 내부도 꽤 잘 꾸며져 있어서, 쉬어 가기 좋은 장소였다.

키타노이진칸 거리에서 위쪽으로 한 10분 정도 걸어올라 가면 풍향계의 집(토마스 저택)에 도착할 수 있다.

작품 속 토오사카 저택과 완전히 똑같다고 보기는 어렵지만, 전체적인 분위기나 공간감은 분명히 비슷하다.
개인적으로는 토오사카 저택을 현실에 옮긴다면 이런 느낌이지 않을까 싶었다.

풍향계의 집 입구로 들어가면 매표소가 있고, 500엔으로 입장권을 사야 들어갈 수 있다.
다른 곳도 같이 보면 할인해서 팔았던 거로 기억하는데, 다른 곳은 어떤 곳인지 정확히 알아보고 가지 않아서 풍향계의 집만 들어가는 표로 끊었다.

내부에는 옛 가구와 전시물이 배치되어 있다.
이 공간이 꽤 잘 꾸며져 있어서, 단순히 외관만 보고 끝나는 장소가 아니라 실제로 토오사카 저택 내부 분위기를 상상하며 둘러보기 좋은 장소라는 생각이 들었다.

건물은 2층이고, 관람 동선을 따라 이동하면 1층 관람 후 자연스럽게 2층으로 올라갈 수 있다.

개인적으로는 나중에 부모님을 모시고 다시 와도 좋겠다고 생각할 정도로 만족도가 높았다.

마토 저택 - 키타노이진칸

마토 저택과 가장 비슷한 느낌을 주는 곳은 같은 키타노이진칸 거리 부근에 있는 우로코의 집이다.

풍향계의 집에서 출발해 걸어가면 도착할 수 있고, 가는 길에도 안내판이 제법 잘 되어 있어서 찾기 어렵지는 않다.

다만 입구가 골목 안쪽으로 이어져 있어서 처음 가는 경우에는 이 길이 맞나 싶을 정도로 헷갈릴 수 있다.

이곳은 풍향계의 집처럼 옛 가구를 전시해 놓은 공간이 있고, 전망대와 갤러리까지 함께 볼 수 있는 장소다.
입장료는 약 1100엔이라 약간 비싸게 느껴질 수도 있지만, 실제로 들어가 보면 내부가 꽤 잘 꾸며져 있어서 돈이 아깝다는 생각은 크게 들지 않았다.

안으로 들어가면 아래처럼 저택 앞에 정원이 있고, 저택 좌우로 큰 출입구가 하나씩 있다.
왼쪽은 미술관과 전망대, 오른쪽은 옛 가구 전시관 입구이다.
사진 좌측에 살짝 보이는 흰색 집은 관람객들이 쉴 수 있는 휴게실이다.

이 장소는 마토 저택을 완전히 그대로 본뜬 느낌이라기보다는, 부분 부분을 참고해 재구성한 듯한 인상이 강했다.
즉, 외관이 완전히 닮았다기보다는 익숙한 요소들이 곳곳에 배치되어 있어 Fate 팬이 비교하며 보는 재미가 있는 장소에 가깝다.

오른쪽 입구로 들어가면 아래와 같이 옛 가구들을 전시해 놓은 걸 볼 수 있다.

그중에는 UBW에서 보였던 토오사카 저택 내부와 비슷한 배치를 떠올리게 하는 부분도 있다.
소파와 뒤쪽 가구, 창문 위치를 보고 있으면 “아, 이런 느낌이었지” 싶은 장면이 자연스럽게 떠오른다.

왼쪽 입구로 들어가면 키타노이진칸의 대표 건축물 그림과 미술품들을 볼 수 있고, 꼭대기 쪽에는 전망대가 있다.

1, 2층은 미술관 및 전시관

3층은 전망대

정원 쪽 휴게실에서는 사쿠라와 저택을 그린 그림과 설명문도 볼 수 있어서, Fate 팬이라면 더 반갑게 느껴질 수 있다.

풍향계의 집에도 린 그림과 설명문 같은 게 있었을 거 같은데, 내가 못 본 건지 그림을 내린 건지는 잘 모르겠다.

마토 저택 가는 길 - 키타노이진칸

마토 저택으로 향하는 길 역시 키타노이진칸 거리 부근에서 비슷한 분위기를 찾을 수 있다.

빨간점 표시해둔 곳으로 가면 됨

위 지도를 참고해서 우로코의 집에서 대로 쪽으로 내려오다 보면, 본편에서 마토 저택 가는 길로 나왔던 장면과 닮은 골목이 하나 보인다.
이곳은 딱 보는 순간 “이 느낌이다” 하고 와닿는 타입의 장소였다.

특히 인상적이었던 건, 이곳이 지금도 예전 작품 속 이미지와 크게 다르지 않은 분위기를 유지하고 있다는 점이었다.
그래서 단순히 사진만 찍고 지나가는 장소가 아니라, 실제로 후유키시 어딘가를 걷는 듯한 감각을 느끼기 좋았다.

이렇게 해서 이번 고베 Fate 무대탐방도 마무리해 보았다.

전체적으로 돌아본 감상으로는, 이번 코스는 오사카보다 고베를 거점으로 잡는 편이 훨씬 효율적이었고, Fate 팬이라면 만족도가 꽤 높을 만한 장소들이 모여 있었다.
특히 에미야 저택 외관, 궁도장, 고베대교, 풍향계의 집, 우로코의 집은 각각 다른 방식으로 작품과 연결되는 재미가 있었다.

도쿄 쪽 무대탐방이 도시적인 배경과 일상 장면의 친숙함이 강했다면, 고베 쪽은 일본 특유의 저택, 언덕길, 항구 도시 분위기가 살아 있다는 점에서 또 다른 매력이 있었다.
그래서 Fate 시리즈를 좋아한다면, 도쿄 편과는 별개로 고베 편도 충분히 가볼 가치가 있는 코스라고 생각한다.

나중에 또 일본 다른 지역의 Fate 무대탐방을 다녀오게 된다면, 그때도 후기를 정리해 보고 싶다.

도쿄 Fate 성지순례 후기 | Fate/stay night, UBW 무대탐방 가이드

보별 — Fri, 13 Feb 2026 18:35:36 +0900

15년 넘게 Fate 시리즈를 좋아해 온 팬으로서, 직접 다녀온 도쿄 근교 Fate 무대탐방 후기를 정리해 보려고 한다.
이번 글은 단순한 여행 후기보다는, 도쿄 쪽에서 Fate/stay night와 UBW 배경지를 돌아보고 싶은 분들을 위한 가이드에 가깝다.

나 역시 무대탐방을 준비하면서 정보를 여기저기 찾아봤는데, 막상 직접 가 보니 동선이나 위치감, 사진 찍기 좋은 포인트 같은 건 실제로 다녀온 사람의 후기가 훨씬 도움이 됐다.
그래서 페이트 성지순례를 계획하는 분들께 작은 참고가 되었으면 하는 마음으로 정리하였다.

아래 링크는 직접 만든 페이트 무대탐방 지도다. 이 글과 같이 띄워 두고 보면 위치를 비교하기 편하다.

https://www.google.com/maps/d/edit?mid=1SE6PE1UX_Q-8M-A_PrzajlZHyTcvobI&ll=35.39082647316582%2C137.2286105384365&z=8

Fate 무대탐방 - Google 내 지도

FSN + UBW 애니메이션 실제 장소 모음

www.google.com

이 포스트에서 소개하는 장소들은 전부 도쿄 근교에 있고, 지도상으로는 오른편에 몰려 있다.
일본 여행에서는 구글지도나 애플 지도가 거의 필수이기 때문에, 나중에 무대탐방을 간다면 이 지도를 그대로 참고해도 괜찮다.
다만 아주 촘촘하게 모든 포인트를 정리한 지도는 아니니, 더 깊게 파고들고 싶다면 일본 현지 블로그나 팬들이 정리한 자료도 함께 참고하는 걸 추천한다.

참고로 이 글은 2024년 3월 방문 기준 후기라서, 공사 여부나 상점 구성, 교통 동선은 현재와 일부 다를 수 있다. 실제 방문 전에는 지도 앱으로 한 번 더 확인하는 편이 좋다.

신토 번화가 - 가이힌 마쿠하리

가이힌마쿠하리는 본편에서 신토 번화가를 떠올리게 하는 장소로, Fate 팬이라면 한 번쯤 가볼 만한 곳이다.
여기에 더해 UBW 애니메이션 12화의 배경이 되는 포인트들도 일부 확인할 수 있다.

가이힌마쿠하리역은 도쿄에서 지하철로 약 1시간 정도 걸린다.
당시 기준으로는 도쿄 메트로 패스만을 활용해 접근할 수 있었는데, 교통 정보는 시기마다 달라질 수 있으니 방문 전 재확인해보는 걸 추천한다.

가이힌 마쿠하리는 주위에 회사가 많고 사람도 꽤 있는 번화가다.
북쪽 출구쪽은 사람이 적은 편이지만, 남쪽 출구 쪽은 유동인구가 북쪽보다 많아서 사람 나오지 않게 사진 찍기가 힘들었다.

실제로 가 보면 주변에 회사 건물이 많고, 유동인구도 꽤 있는 편이다.
특히 북쪽 출구보다 남쪽 출구 쪽이 훨씬 번화해서, 사람이 없는 구도로 사진을 찍기는 조금 어려웠다.

먼저 사람이 비교적 적은 북쪽 출구로 나가면 롯데리아와 버스 정류장이 보인다.

북쪽 출구 왼편에는 육교로 올라가는 길이 있는데, 그 육교를 건너 반대편으로 내려가면 UBW 12화에서 시로가 밤늦게 린을 찾아가는 장면과 유사한 구도가 나온다.

육교를 내려온 뒤 바로 앞 횡단보도를 건너서 다시 육교 방향을 바라보면, 애니메이션에서 익숙했던 배경과 비슷한 느낌을 받을 수 있다.

애니메이션 쪽이 인도 폭이나 원근감을 조금 더 넓게 잡아 둔 느낌이라, 현실과 완전히 똑같지는 않다.

횡단보도를 건넌 뒤 조금 더 앞으로 가면 또 다른 육교가 보인다.

이 육교로 올라가 걸어왔던 길을 돌아보면 시로, 린, 세이버가 나란히 걷는 장면을 연상시키는 배경이 나온다.

육교를 통해, 걸어왔던 길의 맞은편으로 내려가면 다른 장면의 배경을 볼 수 있다.

완벽하게 일치한다고 하기는 어렵지만, 현장에 서 있으면 확실히 “이 장면이 여기였구나” 하는 감각이 있다.

이 주변은 식당과 편의점도 제법 많아서, 점심 시간대에 방문했다면 근처에서 식사를 해결하기도 괜찮다.

다시 역으로 돌아와 남쪽 출구로 나가면, 바로 앞에서 시로와 린이 차양 아래를 지나가는 장면과 비슷한 배경을 볼 수 있다.

차양대를 기준으로 왼쪽을 바라보면 일행이 번화가에 도착한 장면이 나온다.

, 앞에 보이는 건물 쪽 구석으로 조금 더 들어가면 본편의 신토 번화가와 닮은 구도도 확인할 수 있다.

개인적으로 인상적이었던 건, 작품 속 배경이 거의 20년 전 이미지에 가까울 텐데도 지금과 비교했을 때 큰 이질감이 없었다는 점이다.
시간이 꽤 흘렀는데도 작품의 분위기가 남아 있다는 게 신기했다.

남쪽 출구의 오른편으로 가면 애니메이션 속 버스 정류장 장면과 닮은 곳도 찾을 수 있다.

놀러 나갔다가 버스에서 내리는 장면, 비를 맞고 급히 돌아가는 장면을 떠올리며 비교해 보는 재미가 있다.

돌아와서 알게 된 점이 있는데, 일본 현지 팬들이 정리한 블로그를 보면 가이힌마쿠하리에는 내가 본 포인트 외에도 출퇴근 장면, 일상 배경 컷에 사용된 장소가 꽤 많다고 한다.
좀 더 깊게 조사하고 갔으면 훨씬 알차게 돌 수 있었을 것 같아, 그 부분은 꽤 아쉬웠다.

UBW 애니메이션 12화 배경 - 미나토미라이

미나토미라이는 본편의 배경이 있는 곳은 아니고, UBW 애니메이션 12화 데이트 장면의 배경이 있는 곳이다.
UBW 팬이라면 한 번 방문해보는 걸 추천한다.

도쿄에서 출발하면 약 1시간 정도 걸리며 중간에 환승이 필요한데, 환승 노선이 도쿄 메트로 패스 혜택을 받지 못하는 노선이다.
도쿄 메트로 패스를 사용하고 싶을 경우, 역무원에게 말을 걸어서 혜택을 받지 못하는 노선의 티켓값만 따로 지불해야 한다. (본인은 이렇게 했다.)
일본어가 자신없거나 말을 걸고 싶지 않을 경우, 맘 편하게 이쪽을 갈 때에만 일본 교통카드를 사용하거나 발권기에서 직접 티켓을 발권하고 가는 걸 추천한다.

가이힌마쿠하리와는 방향이 정반대라서, 두 곳을 같은 날에 묶기보다는 각각 다른 날 일정으로 분리하는 편이 훨씬 편하다.

미나토미라이역에서 내려 린코파크로 가면 본격적으로 익숙한 배경들을 볼 수 있다.
린코파크는 역 2번 출구 기준으로 도보 약 15분 정도인데, 내가 갔을 당시에는 정문 쪽 공사 때문에 조금 돌아가야 해서 예상보다 시간이 더 걸렸다.

역에서 공원 쪽으로 걸어가다 보면, 도시적인 고층 건물과 바다 분위기가 어우러져서 묘하게 부산 해운대 근처를 걷는 듯한 느낌도 든다.

나중에 알게 된 사실이지만, 역 밖으로 완전히 나오지 않고 건물 내부와 지하 연결 통로를 이용해 접근하는 방법도 있었다.
다만 길이 조금 복잡할 수 있어서, 길 찾기에 익숙하지 않다면 바깥 길로 가는 편이 더 편할 수도 있다.

린코파크는 생각보다 넓다.
산책하는 주민도 많고, 놀러 나온 사람들도 적지 않아서 완전히 한적한 느낌은 아니지만, 대신 실제 공원 자체가 워낙 시원하게 펼쳐져 있어서 걷는 맛이 좋다.

행복한 결혼생활 되시길

느긋하게 한 바퀴 도는 데에는 대략 45분 정도 걸렸다.

공원 바닷가 쪽으로 가면 다리가 하나 보이는데, 이 주변이 UBW 12화 주요 배경 포인트가 몰려 있는 구간이다.

아래 사진처럼 정면에 돌다리가 보이는 곳에 서면, 왼쪽에는 작은 언덕이 있고 오른쪽에는 돌계단이 보인다.
이 일대가 12화 공원 장면의 중심이라고 보면 된다.

왼쪽의 작은 언덕은 점심을 먹는 장면의 배경을 볼 수 있다.

거기서 조금만 올라가 고개를 돌리면 시로가 케첩을 묻힌 채 먹고 있는 장면과 비슷한 배경을 볼 수 있다.

또다시 시선을 돌다리 쪽으로 향하면, 린이 시로 입가를 닦아주는 장면의 배경도 나온다.

공터 중앙에서 돌다리 반대 방향으로 조금만 올라가면 시민들의 일상을 보여주는 컷의 배경과 닮은 곳이 있다.

오른쪽 돌계단 쪽으로 가면 셋이 함께 앉아 있던 장면을 떠올릴 수 있다.

애니메이션에서는 계단이 꽤 커 보였는데, 실제로 보면 생각보다 높지는 않다.

돌다리 위로 올라가 공원 중앙 쪽을 바라보면, 12화에서 보였던 공간감이 꽤 잘 살아난다.

바닷가 쪽에 있어서 그런가 수면 높이의 영향도 받는 듯했다.
내가 갔을 때는 썰물 시간대라 바닥이 조금 드러나는 모습이 보였는데, 시간대에 따라 풍경 차이도 꽤 있을 것 같다.

자리를 좀 옮겨서 잔디밭쪽으로 이동하면, 12화에서 시민들의 일상을 보여주는 장면의 배경을 볼 수 있다.

UBW가 2014년 작품이라는 점을 생각하면, 배경이 10년 넘게 크게 변하지 않았다는 점도 반가웠다.
팬 입장에서는 이런 변화 없는 풍경이 꽤 고맙게 느껴진다.

UBW 애니메이션 12화 배경 - 지유가오카

지유가오카 역시 본편보다는 UBW 12화의 배경이 나오는 곳이기에, UBW 팬들에게 추천하고 싶은 장소다.

이쪽은 쇼핑몰, 카페, 식당, 게임센터 등 편의시설이 많아서 분위기 자체가 활기차다.
그만큼 유동인구도 많은 편이라, 사진을 제대로 찍고 싶으면 사람이 적은 시간대를 노리는 게 좋다.

지유가오카역 남쪽 출구로 나와 바로 보이는 길을 따라 한 블록 정도 내려가면, 작품 속에서 본 거리 분위기와 비슷한 장소를 찾을 수 있다.
가다가 보면 12화에서 보였던 것과 비슷한 카페 트럭 같은 노점도 만날 수 있다.

내가 갔을 때는 크레페와 음료를 파는 작은 노점이었는데, 처음 사 먹어본 크레페가 생각보다 꽤 괜찮았다.
~~일본 여고생쟝이 되는 것만 같은 느낌을 들게 해주는 마법의 음식이었다.~~
이런 식으로 무대탐방을 하다 보면 단순히 사진만 찍고 지나가는 게 아니라, 그 장소의 생활감까지 같이 체험하게 되는 게 재미있다.

조금 더 걸어가 오른쪽으로 꺾으면, 좌우로 카페와 장식물, 꽃집이 보이는데 이 주변도 12화 분위기를 떠올리기 좋다.

의자 비슷한 장식물은 카페에서 세워둔 장식물 아닌 좀 더 아래쪽에 있는 식당 쪽 장식물이고, 식당 메뉴판을 걸어놓은 것이다.

특히 꽃집은 간판과 진열된 꽃들이 잘 어우러져서, 작품을 몰라도 사진 찍기 좋은 장소였다.
내가 방문했던 날은 소나기가 막 지난 뒤라서 그런지 유난히 더 예뻐 보였다.

꽃집 사장님은 어깨까지 오는 단발의 미인(?) 남성분이셨다.
일상에선 보이기 힘들지만 예비군만 가면 귀신같이 보이는 머리 긴 남성을 여기서 보게 될 줄은 몰랐다.

반대로 아까 카페 트럭이 있던 쪽에서 왼편으로 올라가면 벤치와 옷가게 장면의 배경을 볼 수 있다.

애니메이션과 비슷한 각도로 찍으려면 낮은 자세를 잡아야 할 것 같았는데, 이쪽은 사람이 계속 지나가서 실제로 그렇게 찍기는 조금 민망했다.
서서 구도만 비슷하게 맞춰 촬영했다.

지유가오카는 다른 포인트들에 비해 “정적이고 조용한 성지”라기보다는, 일상적인 번화가 속에서 장면을 찾는 재미가 있는 장소였다.
그래서 무대탐방 자체뿐 아니라, 도쿄 근교 산책 코스로도 꽤 괜찮게 느껴졌다.

후유키시 골목 - 사쿠라가오카

이번 일정 중 가장 기억에 남았던 곳을 하나만 꼽으라면, 나는 망설임 없이 사쿠라가오카 쪽을 고를 것 같다.

이곳은 본편에서 시로의 등굣길과 순찰 장면의 배경이 있고, UBW 애니메이션 프롤로그, 1화, 4화, 9화와 연결해서 볼 수 있는 장소들도 있다.

주의할 점은, 목적지는 사쿠라가오카라고 해도 실제로는 사쿠라가오카역이 아니라 세이세키-사쿠라가오카역으로 가야 무대탐방이 수월하다는 점이다.

역 남쪽 출구로 나와 남쪽 방향으로 계속 내려가다 보면 작은 하천과 다리가 나온다.
다리를 건너면서 아래와 같은 배경이 보인다면 제대로 가고 있는 것이다.

다리를 건넌 뒤 왼쪽 골목으로 조금 더 들어가면, 프롤로그에서 사쿠라와 길가메시가 마주치는 장면, 그리고 린이 염탐하는 장면을 떠올릴 수 있는 배경이 나온다.
아래 지도에서 표시해 둔 곳으로 가면 된다.

다만 도로에 그려진 표시가 현실에서는 꽤 크게 보이기 때문에, 애니메이션과 완전히 같은 비율로 찍히지는 않았다.

맑은 날, 평일 오전, 주택가 골목이라는 조건이 겹쳐서 지나가는 사람이 거의 없었고, 덕분에 부담 없이 사진을 남기기 좋았다.

다시 다리 쪽으로 돌아와 언덕을 조금만 올라가면, 본편 컷신과 비슷한 분위기의 장소가 하나 나온다.

조금 더 가면 UBW 4화에서 사쿠라와 타이가가 시로에게 세이버 이야기를 묻는 장면의 배경도 확인할 수 있다.

위 사진에 나오는 전봇대를 기준으로 앞뒤 구도를 잡으면 느낌이 잘 살아난다.

계속 걸어서 아래 지도에 표시해 둔 포인트까지 이동한 뒤, 대로 쪽으로 내려가면 시로의 등굣길과 1화에 나온 주택가 장면과 비슷한 배경이 나온다.
길가라 구글 지도에 직접 포인트를 찍을 수 없어서, 근처 가까운 곳을 구글 지도 포인트로 잡았다.

위 사진을 찍었던 장소까지 이동한 거리를 아래 그림에 직접 표시해 뒀으니, 혹시 길을 못 찾겠다면 확대해서 참고하면 될 것 같다.
버스 타고 편하게 갈 수도 있으니, 일본 교통카드가 있고 걷기 힘들다면 버스를 타도 상관없다.

사진에 보이는 집 앞으로 가면, 주민이 살해되었다는 이야기가 나오던 장면 속 시로의 위치와 비슷하게 사진을 찍을 수 있다.

그 집은 오랫동안 빈집인 거 같았는데 현실고증일지도? ~~성배전쟁은 실화다.~~

여기서 조금 더 아래 도로 쪽으로 내려가면, 9화에서 시로가 신호를 기다리던 장면의 배경도 있다.

사진 뒤에 보이는 입구는 지하철역이 아니라, 반대편으로 건너갈 수 있는 지하보도 입구다.

사실 이쪽은 포인트까지 걸어가는 시간이 길어서 체력적으로는 가장 힘들었다.
그런데도 가장 만족스러웠던 이유는, 동네 자체가 정말 아름답기 때문이다.
우리가 흔히 상상하는 이상적인 일본 주택가 골목 풍경이 그대로 펼쳐지는 느낌이었다.

부모님과 영상통화를 하면서 골목 여기저기 돌아다녔는데, 부모님도 “이런 곳은 한번 가보고 싶다”라고 하실 정도였다.
사진을 찍으며 골목을 천천히 돌다 보니 거의 2시간 가까이 머물렀다.
평일 아침이라 조용했고, 날씨까지 좋아서 일본 골목 특유의 분위기를 즐기기에는 정말 좋은 장소였다.

봄에 가면 벚꽃까지 더해져 훨씬 예쁠 것 같다는 생각도 들었다.

이렇게 해서 내가 다녀온 도쿄 근교 Fate 무대탐방은 일단 여기까지다.
본편의 상징적인 분위기를 느끼고 싶다면 가이힌마쿠하리와 사쿠라가오카, UBW 12화의 감성을 느끼고 싶다면 미나토미라이와 지유가오카를 추천하고 싶다.

무대탐방은 단순히 작품 속 장소를 확인하는 데서 끝나는 여행이 아니다.
직접 그 공간을 걷고, 같은 방향을 바라보고, 작품 속 인물들이 지나갔을 법한 거리를 눈으로 확인하는 순간, 좋아하는 작품이 훨씬 현실 가까이 다가오는 느낌이 있다.

Fate 시리즈를 좋아하고 도쿄 여행을 계획하고 있다면, 하루 정도는 관광 일정에서 빼서 이런 성지순례 코스를 넣어 보는 것도 꽤 만족도가 높을 것이다.

기회가 된다면 다음에는 오사카 쪽 Fate 무대탐방도 정리해 보고 싶다.